![[Kolorowy plakat. Trzy osoby, mężczyzna i dwie kobiety, pochylają się nad telefonem komórkowym, na którym prowadzą rozmowę. Są przejęci.]](https://image.bilety24.pl/sf_api_thumb_400/dealer-default/479/glos-hind-rajab-plakat-b1.jpg)
![[Kolorowy plakat z animowanymi postaciami. Jedenastoletni Tomek, uśmiechnięty blondyn, szybuje po przestrzeni kosmicznej z Fleakiem, różowym stworem.]](https://image.bilety24.pl/sf_api_thumb_400/dealer-default/479/fleak-futrzak-i-ja-1080x1080.jpg)
DKF Zamek: Grzesznicy
Chcąc zostawić za sobą burzliwą przeszłość, bracia bliźniacy wracają do rodzinnego miasta, żeby zacząć życie od nowa. Na miejscu przekonują się, że czeka na nich jeszcze gorsze zło.
Język: angielski z polskimi napisami
GRZESZNICY, reż. Ryan Coogler, USA, Australia, Kanada 2025, 137'
Język: angielski z polskimi napisami
GRZESZNICY, reż. Ryan Coogler, USA, Australia, Kanada 2025, 137'
DKF Zamek: Hamnet
Hamnet, autorstwa nagrodzonej Oscarem® scenarzystki i reżyserki Chloé Zhao (Nomadland)., opowiada poruszającą historię miłosną, która zainspirowała Szekspira do stworzenia ponadczasowego arcydzieła Hamlet.
To poruszająca historię miłości Williama, ambitnego dramaturga i jego żony Agnes. Ich idylliczne życie zostaje zburzone, gdy wybucha epidemia dżumy, która dotyka ich dzieci, Hamneta i Judith. Po latach William pisze nową sztukę zatytułowaną Hamlet, aby poradzić sobie z żałobą.
Film powstał na podstawie bestsellerowej powieści Maggie O’Farrell z 2020 roku, która sprzedała się w 2 milionach egzemplarzy w Wielkiej Brytanii i USA oraz została przetłumaczona na 40 języków.
Język: angielski z polskimi napisami
HAMNET, reż. Chloé Zhao, Wielka Brytania, USA 2025, 125'
To poruszająca historię miłości Williama, ambitnego dramaturga i jego żony Agnes. Ich idylliczne życie zostaje zburzone, gdy wybucha epidemia dżumy, która dotyka ich dzieci, Hamneta i Judith. Po latach William pisze nową sztukę zatytułowaną Hamlet, aby poradzić sobie z żałobą.
Film powstał na podstawie bestsellerowej powieści Maggie O’Farrell z 2020 roku, która sprzedała się w 2 milionach egzemplarzy w Wielkiej Brytanii i USA oraz została przetłumaczona na 40 języków.
Język: angielski z polskimi napisami
HAMNET, reż. Chloé Zhao, Wielka Brytania, USA 2025, 125'
DKF Zamek: Tajny agent
Znakomity brazylijski filmowiec Kleber Mendonça Filho („Sąsiedzkie dźwięki„, „Bacurau”, „Aquarius„) powraca gęstym thrillerem, nagrodzonym w Cannes za reżyserię i główną rolę męską. Lata 70., Brazylia w żelaznym uścisku wojskowej dyktatury. Wybitny naukowiec Marcelo (wspaniały Wagner Moura – pamiętny Escobar w „Narcos”) powraca do rodzinnego Recife, żeby zabrać swojego syna w bezpieczne miejsce. Zanurzone w słońcu miasto jest na granicy szaleństwa – w karnawale giną ludzie, gdzieś na plaży znaleziono rekina z ludzką nogą w brzuchu, do miasta przybywa dwóch zabójców… Marcelo kilka lat wcześniej podpadł niebezpiecznemu mafiosowi, teraz musi się ukrywać. Jego życie wisi na włosku.
Filho precyzyjnie tka kinofilską opowieść – z jednej strony to wyrafinowany i trzymający w napięciu film polityczny, mozaikowa historia o skorumpowanym społeczeństwie, z drugiej zaś opowieść o ludzkiej solidarności i niezłomności, a także o pamięci. Brazylijski reżyser wyłamuje się z gatunkowych ram, tworząc kino świeże i zaskakujące, a zarazem cudownie pulpowe. Wspaniale jest w „Tajnym agencie" oddany klimat dawnych lat – scenografia i kostiumy są warte Oscara.
Język: portugalski z polskimi napisami
TAJNY AGENT, reż. Kleber Mendonça Filho, Niemcy, Francja, Holandia, Brazylia 2025, 161'
Filho precyzyjnie tka kinofilską opowieść – z jednej strony to wyrafinowany i trzymający w napięciu film polityczny, mozaikowa historia o skorumpowanym społeczeństwie, z drugiej zaś opowieść o ludzkiej solidarności i niezłomności, a także o pamięci. Brazylijski reżyser wyłamuje się z gatunkowych ram, tworząc kino świeże i zaskakujące, a zarazem cudownie pulpowe. Wspaniale jest w „Tajnym agencie" oddany klimat dawnych lat – scenografia i kostiumy są warte Oscara.
Język: portugalski z polskimi napisami
TAJNY AGENT, reż. Kleber Mendonça Filho, Niemcy, Francja, Holandia, Brazylia 2025, 161'
DKF Zamek: Wielki Marty
Fascynująca prawdziwa historia geniusza o wielkiej ambicji, apetycie na życie i zdolności do podnoszenia się po życiowych upadkach.
Mistrz, hazardzista, kobieciarz, showman.
Marty chce być gwiazdą. Nagnie więc wszystkie reguły, wejdzie w sojusze z ludźmi, od których powinien trzymać się z daleka, gotów będzie uwieść każdą kobietę, byleby tylko zrealizować swoje marzenie o wielkości.
Język: angielski z polskimi napisami
WIELKI MARTY, reż. Josh Safdie, USA 2025, 150'
Mistrz, hazardzista, kobieciarz, showman.
Marty chce być gwiazdą. Nagnie więc wszystkie reguły, wejdzie w sojusze z ludźmi, od których powinien trzymać się z daleka, gotów będzie uwieść każdą kobietę, byleby tylko zrealizować swoje marzenie o wielkości.
Język: angielski z polskimi napisami
WIELKI MARTY, reż. Josh Safdie, USA 2025, 150'
Drama
Pozornie idealna para przechodzi kryzys, gdy na kilka dni przed ślubem na jaw wychodzą skrywane tajemnice.
Piękni, zamożni i zakochani. Ich zbliżający się ślub będzie jedynie postawieniem kropki nad „i”. No chyba, że do niego wcale nie dojdzie. Na kilka dni przed ceremonią, na jaw wychodzi szokująca informacja o przeszłości przyszłej panny młodej, która stawia ją w bardzo mrocznym świetle. Czy przyszły pan młody znajdzie w sobie tyle miłości, wyrozumiałości i empatii, by zrozumieć i wybaczyć? A może tu nie ma nic do wybaczania? Może wystarczy zaakceptować fakt, że osoba, z którą chce się spędzić resztę życia jest po prostu kimś zupełnie innym niż nam się wydawało? Gdyby się nad tym spokojnie zastanowić, to może być nawet zabawne. Chyba, że okaże się niebezpieczne.
Język: angielski z polskimi napisami
DRAMA, reż. Kristoffer Borgli, USA 2026, 106'
Piękni, zamożni i zakochani. Ich zbliżający się ślub będzie jedynie postawieniem kropki nad „i”. No chyba, że do niego wcale nie dojdzie. Na kilka dni przed ceremonią, na jaw wychodzi szokująca informacja o przeszłości przyszłej panny młodej, która stawia ją w bardzo mrocznym świetle. Czy przyszły pan młody znajdzie w sobie tyle miłości, wyrozumiałości i empatii, by zrozumieć i wybaczyć? A może tu nie ma nic do wybaczania? Może wystarczy zaakceptować fakt, że osoba, z którą chce się spędzić resztę życia jest po prostu kimś zupełnie innym niż nam się wydawało? Gdyby się nad tym spokojnie zastanowić, to może być nawet zabawne. Chyba, że okaże się niebezpieczne.
Język: angielski z polskimi napisami
DRAMA, reż. Kristoffer Borgli, USA 2026, 106'
ETHNO PORT POZNAŃ 2026
Festiwal Ethno Port 2026
11‒14.06.2026
Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu
Muzyka z całego świata po raz 19. zabrzmi w Poznaniu! W dniach 11-14 czerwca 2026 w centrum miasta zagości Festiwal Ethno Port. Cztery dni, trzy niezależne sceny muzyczne, liczni goście z wielu zakątków świata i bogaty program wydarzeń. Tradycja połączy się z nowoczesnością. Do sprzedaży trafiły właśnie festiwalowe karnety.
Muzyczna część tegorocznego Ethno Portu to spotkanie tradycji z różnych stron świata – od Karpat, Bałkanów i Półwyspu Iberyjskiego, przez Kaukaz i Anatolię, po Afrykę Południową i Amerykę Łacińską. Program połączy wiejskie pieśni, muzykę taneczną i wielogłosowe śpiewy z nowoczesnymi interpretacjami, improwizacją, elektroniką oraz energią współczesnych scen miejskich. Obok surowych, archaicznych brzmień pojawią się projekty odważnie przetwarzające folklor, rodzinne i międzypokoleniowe formy muzykowania.
„Przez osiemnaście lat Ethno Port stał się przestrzenią, w której różnorodność jest wartością, a muzyka żywym językiem łączącym ludzi. Dziękujemy za Wasze zaufanie i zapraszamy Was do wspólnej podróży – otwórzmy się na dźwięki, które przekraczają granice i budują mosty między kulturami!” – zachęca dyrektorka festiwalu Bożena Szota.
Podobnie jak w ubiegłych latach, program realizowany będzie na trzech niezależnych scenach: w Sali Wielkiej, na Dziedzińcu Zamkowym oraz w Parku im. Adama Mickiewicza. Każda z nich stworzy różnorodne przestrzenie dla muzyki, dialogu i wspólnego przeżywania kultury.
Organizatorzy kontynuują w najnowszej edycji festiwalu sprawdzone i cenione cykle programowe. „Małe Ethno” ponownie zaprosi najmłodszych uczestników i uczestniczki wraz z opiekunami do wspólnego odkrywania muzyki świata poprzez warsztaty i koncerty dostosowane do rodzinnej publiczności. Z kolei „Wsłuchaj się w świat” stanie się przestrzenią rozmów i refleksji nad współczesnymi tematami społecznymi, ukazanymi w kontekście kultury i globalnych przemian.
Ethno Port to okazja do wspólnego świętowania, organizatorzy stawiają więc na dostępność. Na wybranych koncertach i spotkaniach zapewniona zostanie audiodeskrypcja, tłumaczenie na PJM (polski język migowy) oraz możliwość skorzystania z przenośnej pętli indukcyjnej. Koncerty i wydarzenia towarzyszące odbędą się w miejscach, do których każda osoba będzie mogła swobodnie dotrzeć i w pełni w nich uczestniczyć.
Sprzedaż karnetów na 19. edycję Festiwalu Ethno Port właśnie się rozpoczęła. Organizatorzy zachęcają do wcześniejszego zakupu i zarezerwowania czasu na cztery dni intensywnych muzycznych spotkań. Karnety można kupić na stronie internetowej oraz w Kasie CK ZAMEK.
11‒14.06.2026
Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu
Muzyka z całego świata po raz 19. zabrzmi w Poznaniu! W dniach 11-14 czerwca 2026 w centrum miasta zagości Festiwal Ethno Port. Cztery dni, trzy niezależne sceny muzyczne, liczni goście z wielu zakątków świata i bogaty program wydarzeń. Tradycja połączy się z nowoczesnością. Do sprzedaży trafiły właśnie festiwalowe karnety.
Muzyczna część tegorocznego Ethno Portu to spotkanie tradycji z różnych stron świata – od Karpat, Bałkanów i Półwyspu Iberyjskiego, przez Kaukaz i Anatolię, po Afrykę Południową i Amerykę Łacińską. Program połączy wiejskie pieśni, muzykę taneczną i wielogłosowe śpiewy z nowoczesnymi interpretacjami, improwizacją, elektroniką oraz energią współczesnych scen miejskich. Obok surowych, archaicznych brzmień pojawią się projekty odważnie przetwarzające folklor, rodzinne i międzypokoleniowe formy muzykowania.
„Przez osiemnaście lat Ethno Port stał się przestrzenią, w której różnorodność jest wartością, a muzyka żywym językiem łączącym ludzi. Dziękujemy za Wasze zaufanie i zapraszamy Was do wspólnej podróży – otwórzmy się na dźwięki, które przekraczają granice i budują mosty między kulturami!” – zachęca dyrektorka festiwalu Bożena Szota.
Podobnie jak w ubiegłych latach, program realizowany będzie na trzech niezależnych scenach: w Sali Wielkiej, na Dziedzińcu Zamkowym oraz w Parku im. Adama Mickiewicza. Każda z nich stworzy różnorodne przestrzenie dla muzyki, dialogu i wspólnego przeżywania kultury.
Organizatorzy kontynuują w najnowszej edycji festiwalu sprawdzone i cenione cykle programowe. „Małe Ethno” ponownie zaprosi najmłodszych uczestników i uczestniczki wraz z opiekunami do wspólnego odkrywania muzyki świata poprzez warsztaty i koncerty dostosowane do rodzinnej publiczności. Z kolei „Wsłuchaj się w świat” stanie się przestrzenią rozmów i refleksji nad współczesnymi tematami społecznymi, ukazanymi w kontekście kultury i globalnych przemian.
Ethno Port to okazja do wspólnego świętowania, organizatorzy stawiają więc na dostępność. Na wybranych koncertach i spotkaniach zapewniona zostanie audiodeskrypcja, tłumaczenie na PJM (polski język migowy) oraz możliwość skorzystania z przenośnej pętli indukcyjnej. Koncerty i wydarzenia towarzyszące odbędą się w miejscach, do których każda osoba będzie mogła swobodnie dotrzeć i w pełni w nich uczestniczyć.
Sprzedaż karnetów na 19. edycję Festiwalu Ethno Port właśnie się rozpoczęła. Organizatorzy zachęcają do wcześniejszego zakupu i zarezerwowania czasu na cztery dni intensywnych muzycznych spotkań. Karnety można kupić na stronie internetowej oraz w Kasie CK ZAMEK.
Furia Gra Kino (drzwi 19:00, początek koncertu 20:00)
Zespołu Furia fanom ciężkiego brzmienia nie trzeba przedstawiać. Od lat udowadniają, że potrafią wyznaczać nowe kierunki dla polskiej sceny metalowej: widzieliśmy ich na scenie Narodowego Teatru Starego w Krakowie, w „Weselu” w reżyserii Jana Klaty, dwa lata temu otrzymali nominację do „Paszportów Polityki,” a niedawno ich płyta „Księżyc milczy luty” została płytą 25-lecia według Musick Magazine.
W minionym roku w ramach współpracy z Instytucją Filmową Silesia Film w Katowicach, z okazji 25. urodzin Filmoteki Śląskiej, jedynego regionalnego archiwum filmowego, narodził się projekt „Furia Gra Kino". Niewielu fanów zespołu miało okazję doświadczyć tego wyjątkowego projektu, gdyż wydarzenia wyprzedały się na pniu, bez wzmianki o szansie na powtórkę. Aż do tej pory. Przed Wami jedyna możliwość, by obejrzeć to nieprzeciętne widowisko koncertowe, w równie wyjątkowych przestrzeniach, wyselekcjonowanych w pięciu miastach w Polsce.
„Furia Gra Kino” to coś znacznie więcej niż koncert na żywo połączony z projekcją filmu – w trakcie tego unikalnego wydarzenia obraz i dźwięk przeplatają się, oferując niezwykłą podróż w przeszłość Śląska. W maju tego roku, przy klasycznym secie zespołu wzbogaconym o partie improwizowane, obrazy filmowe ze Śląska ożyją i wypełnią duchami sale kinowe i teatralne w całej Polsce. Zapraszamy na wyjątkową trasę „Furia Gra Kino” do Poznania (CK Zamek, 15.05), Warszawy (Kino Palladium, 21.05), Gdańska (Teatr Szekspirowski, 22.05), Łodzi (Monopolis, 23.05) oraz Krakowa (Klub Studio, 24.05).
Uwaga! Wydarzenie zawiera intensywne efekty świetlne i dźwiękowe.
Na trasie „Furia Gra Kino" nie wystąpi żaden zespół towarzyszący. Film prezentowany w trakcie koncertu uzupełni narracja prowadzona przez Krzysztofa Zawadzkiego, a za live-montaż obrazu i jego wizualną interpretację odpowiada Bogna Przewoźniak, artystka wizualna od lat współpracująca z zespołem.
W minionym roku w ramach współpracy z Instytucją Filmową Silesia Film w Katowicach, z okazji 25. urodzin Filmoteki Śląskiej, jedynego regionalnego archiwum filmowego, narodził się projekt „Furia Gra Kino". Niewielu fanów zespołu miało okazję doświadczyć tego wyjątkowego projektu, gdyż wydarzenia wyprzedały się na pniu, bez wzmianki o szansie na powtórkę. Aż do tej pory. Przed Wami jedyna możliwość, by obejrzeć to nieprzeciętne widowisko koncertowe, w równie wyjątkowych przestrzeniach, wyselekcjonowanych w pięciu miastach w Polsce.
„Furia Gra Kino” to coś znacznie więcej niż koncert na żywo połączony z projekcją filmu – w trakcie tego unikalnego wydarzenia obraz i dźwięk przeplatają się, oferując niezwykłą podróż w przeszłość Śląska. W maju tego roku, przy klasycznym secie zespołu wzbogaconym o partie improwizowane, obrazy filmowe ze Śląska ożyją i wypełnią duchami sale kinowe i teatralne w całej Polsce. Zapraszamy na wyjątkową trasę „Furia Gra Kino” do Poznania (CK Zamek, 15.05), Warszawy (Kino Palladium, 21.05), Gdańska (Teatr Szekspirowski, 22.05), Łodzi (Monopolis, 23.05) oraz Krakowa (Klub Studio, 24.05).
Uwaga! Wydarzenie zawiera intensywne efekty świetlne i dźwiękowe.
Na trasie „Furia Gra Kino" nie wystąpi żaden zespół towarzyszący. Film prezentowany w trakcie koncertu uzupełni narracja prowadzona przez Krzysztofa Zawadzkiego, a za live-montaż obrazu i jego wizualną interpretację odpowiada Bogna Przewoźniak, artystka wizualna od lat współpracująca z zespołem.
Głos Hind Rajab
Laureat Srebrnego Lwa na festiwalu w Wenecji i niezliczonych nagród publiczności na festiwalach na całym świecie. Film prezentuje prawdziwe wydarzenia. 29 stycznia 2024 roku wolontariusze Czerwonego Półksiężyca odbierają telefon alarmowy. W Gazie, w samochodzie pod ostrzałem uwięziona jest sześcioletnia dziewczynka, która błaga o pomoc. Ratownicy, starając się utrzymać z nią kontakt, robią wszystko, by dotarła do niej karetka. Dziewczynka ma na imię Hind Rajab. Najnowsze dzieło dwukrotnie nominowanej do Oscara Kaouther Ben Hani to przejmująca, głęboko humanistyczna historia, ukazująca bohaterstwo zwykłych ludzi. "Głos Hind Rajab" został określony przez wielu widzów i krytyków najważniejszym filmem dekady, zaś wśród jego producentów znaleźli się między innymi: Brad Pitt, Joaquin Phoenix, Rooney Mara, Jonathan Glazer i Alfonso Cuarón.
Język: arabski z polskimi napisami
GŁOS HIND RAJAB, reż. Kaouther Ben Hania, Tunezja, Francja, USA 2025, 89’
Język: arabski z polskimi napisami
GŁOS HIND RAJAB, reż. Kaouther Ben Hania, Tunezja, Francja, USA 2025, 89’
Godspeed You! Black Emperor (wejście 19., start 20) - koncert
Godspeed You! Black Emperor ponownie w Polsce! Legendarna kanadyjska grupa zagra w Poznaniu 6 marca 2026 w Centrum Kultury ZAMEK.
O ich ostatnim albumie No Title pisano: „Jest wielki i rozdzierający, a czasem nawet pełen nadziei i ekstazy. Nadal nikt nie tworzy muzyki tak jak oni.” (The Fader). Kanadyjczycy, mimo ponad dwóch dekad działalności, pozostają symbolem niezależności i przypominają o doniosłości oraz znaczeniu współczesnej muzyki.
GY!BE słyną z niezwykle intensywnych, wielogodzinnych koncertów, którym towarzyszą hipnotyzujące analogowe wizualizacje wyświetlane z taśm szpulowych na projektorach 16 mm. Ich muzyka – łącząca potęgę epickiej gitarowej narracji, eklektyzm post-rocka, punkową bezkompromisowość, śmiałość improwizacji i skupioną ekspresję muzyki współczesnej – trafia do fanów z najróżniejszych zakątków muzycznego świata.
Godspeed You! Black Emperor mają na koncie serię albumów uznawanych za redefinicję tego, czym może być muzyka protestu: długie, instrumentalne kompozycje o ogromnym ładunku emocjonalnym i mocy, służące za ścieżki dźwiękowe alienacji i oporu. Pierwsze cztery wydawnictwa – zwłaszcza F#A#∞ (1997) i Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven (2000) – uchodzą dziś za klasyki epoki i gatunku.
Legendarne koncerty zespołu, podczas których wiele projektorów 16 mm wyświetla kolaże nakładających się na siebie filmowych pętli, a także charakterystyczna ikonografia ich albumów, dodatkowo budują estetykę, etos i mitologię grupy. GY!BE konsekwentnie działają na własnych zasadach – przez 25 lat istnienia opublikowali zaledwie dwa oficjalne zdjęcia, nie nakręcili teledysku, udzielili jedynie kilku zbiorowych wywiadów, nigdy nie mieli strony internetowej ani profili w mediach społecznościowych. Niewiele zespołów rockowych XXI wieku było tak wytrwałych w dążeniu do tego, by ich muzyka mówiła sama za siebie.
Ich najnowszy album No Title spotkał się z powszechnym uznaniem. Krytyk magazynu The Wire pisał: „Uosobienie muzyki jako sztuki. Wolni od wpływu korporacji, konwencjonalnych form piosenkowych i algorytmicznie dostrajanych długości utworów, Godspeed You! Black Emperor mogą przekazywać swój przekaz bez kompromisów.” Autor Mojo dodał: „Grupa z Montrealu przesuwa granice tego, co muzyka może znaczyć w czasach mroku. Tam, gdzie znajdują piękno, jest ono często niezłomnie jasne.”
https://www.youtube.com/watch?v=G_ze-pbdkVk
https://www.youtube.com/watch?v=ZgkyX1-8ERo
O ich ostatnim albumie No Title pisano: „Jest wielki i rozdzierający, a czasem nawet pełen nadziei i ekstazy. Nadal nikt nie tworzy muzyki tak jak oni.” (The Fader). Kanadyjczycy, mimo ponad dwóch dekad działalności, pozostają symbolem niezależności i przypominają o doniosłości oraz znaczeniu współczesnej muzyki.
GY!BE słyną z niezwykle intensywnych, wielogodzinnych koncertów, którym towarzyszą hipnotyzujące analogowe wizualizacje wyświetlane z taśm szpulowych na projektorach 16 mm. Ich muzyka – łącząca potęgę epickiej gitarowej narracji, eklektyzm post-rocka, punkową bezkompromisowość, śmiałość improwizacji i skupioną ekspresję muzyki współczesnej – trafia do fanów z najróżniejszych zakątków muzycznego świata.
Godspeed You! Black Emperor mają na koncie serię albumów uznawanych za redefinicję tego, czym może być muzyka protestu: długie, instrumentalne kompozycje o ogromnym ładunku emocjonalnym i mocy, służące za ścieżki dźwiękowe alienacji i oporu. Pierwsze cztery wydawnictwa – zwłaszcza F#A#∞ (1997) i Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven (2000) – uchodzą dziś za klasyki epoki i gatunku.
Legendarne koncerty zespołu, podczas których wiele projektorów 16 mm wyświetla kolaże nakładających się na siebie filmowych pętli, a także charakterystyczna ikonografia ich albumów, dodatkowo budują estetykę, etos i mitologię grupy. GY!BE konsekwentnie działają na własnych zasadach – przez 25 lat istnienia opublikowali zaledwie dwa oficjalne zdjęcia, nie nakręcili teledysku, udzielili jedynie kilku zbiorowych wywiadów, nigdy nie mieli strony internetowej ani profili w mediach społecznościowych. Niewiele zespołów rockowych XXI wieku było tak wytrwałych w dążeniu do tego, by ich muzyka mówiła sama za siebie.
Ich najnowszy album No Title spotkał się z powszechnym uznaniem. Krytyk magazynu The Wire pisał: „Uosobienie muzyki jako sztuki. Wolni od wpływu korporacji, konwencjonalnych form piosenkowych i algorytmicznie dostrajanych długości utworów, Godspeed You! Black Emperor mogą przekazywać swój przekaz bez kompromisów.” Autor Mojo dodał: „Grupa z Montrealu przesuwa granice tego, co muzyka może znaczyć w czasach mroku. Tam, gdzie znajdują piękno, jest ono często niezłomnie jasne.”
https://www.youtube.com/watch?v=G_ze-pbdkVk
https://www.youtube.com/watch?v=ZgkyX1-8ERo
KILL BILL: The Whole Bloody Affair
CZAS TRWANIA SEANSU ZAWIERA WLICZONĄ 15 MINUTOWĄ PRZERWĘ.
Uma Thurman wciela się w Pannę Młodą, pozostawioną na pewną śmierć po tym, jak jej były szef i kochanek Bill napada na próbę ceremonii ślubnej, strzela jej w głowę i odbiera nienarodzone dziecko. Aby dokonać zemsty, Panna Młoda musi najpierw wytropić czworo pozostałych członków Zabójczego Oddziału Żmij, zanim stanie twarzą w twarz z samym Billem. Dzięki operowemu rozmachowi, nieustającej akcji i ikonicznemu stylowi „The Whole Bloody Affair” pozostaje jedną z najbardziej ikonicznych sag zemsty w historii kina – rzadko pokazywaną w kompletnej formie, teraz prezentowaną z 15-minutową przerwą.
Film w nowej odsłonie wróci na ekrany kin po ponad 20 latach od premiery pierwszej części. To realizacja wieloletniego marzenia Quentina Tarantino i powrót marki, która przyciągnęła do polskich kin ponad 550 tys. widzów. Widzowie nie dostaną zwyczajnie zszytych ze sobą Volume 1 i Volume 2. W pierwszej części będzie jeszcze więcej fontann krwi. Scena, w której Panna Młoda toruje sobie drogę przez ludzi O-Ren była czarnobiała. Teraz będzie dłuższa i w kolorze. Nie będzie cliffhangera i streszczenia.
Język: angielski z polskimi napisami
KILL BILL: THE WHOLE BLOODY AFFAIR, reż. Quentin Tarantino, USA 2006, 275'
Uma Thurman wciela się w Pannę Młodą, pozostawioną na pewną śmierć po tym, jak jej były szef i kochanek Bill napada na próbę ceremonii ślubnej, strzela jej w głowę i odbiera nienarodzone dziecko. Aby dokonać zemsty, Panna Młoda musi najpierw wytropić czworo pozostałych członków Zabójczego Oddziału Żmij, zanim stanie twarzą w twarz z samym Billem. Dzięki operowemu rozmachowi, nieustającej akcji i ikonicznemu stylowi „The Whole Bloody Affair” pozostaje jedną z najbardziej ikonicznych sag zemsty w historii kina – rzadko pokazywaną w kompletnej formie, teraz prezentowaną z 15-minutową przerwą.
Film w nowej odsłonie wróci na ekrany kin po ponad 20 latach od premiery pierwszej części. To realizacja wieloletniego marzenia Quentina Tarantino i powrót marki, która przyciągnęła do polskich kin ponad 550 tys. widzów. Widzowie nie dostaną zwyczajnie zszytych ze sobą Volume 1 i Volume 2. W pierwszej części będzie jeszcze więcej fontann krwi. Scena, w której Panna Młoda toruje sobie drogę przez ludzi O-Ren była czarnobiała. Teraz będzie dłuższa i w kolorze. Nie będzie cliffhangera i streszczenia.
Język: angielski z polskimi napisami
KILL BILL: THE WHOLE BLOODY AFFAIR, reż. Quentin Tarantino, USA 2006, 275'
Kino bez barier: Dom dobry
Film „Dom dobry” Wojciecha Smarzowskiego.
Film dla osób powyżej 16 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 47 minut. Kraj produkcji: Polska. Gatunek: dramat.
Gośka oddaje serce idealnemu z pozoru Grześkowi, lecz ich związek i dom w krótkim czasie zamieniają się w przestrzeń pełną przemocy.
Uwaga! Film zawiera drastyczne sceny przemocy domowej.
Język: polski z polską audiodeskrypcją i polskimi napisami dla osób niesłyszących.
DOM DOBRY, reż. Wojciech Smarzowski, Polska 2025, 107'
Film dla osób powyżej 16 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 47 minut. Kraj produkcji: Polska. Gatunek: dramat.
Gośka oddaje serce idealnemu z pozoru Grześkowi, lecz ich związek i dom w krótkim czasie zamieniają się w przestrzeń pełną przemocy.
Uwaga! Film zawiera drastyczne sceny przemocy domowej.
Język: polski z polską audiodeskrypcją i polskimi napisami dla osób niesłyszących.
DOM DOBRY, reż. Wojciech Smarzowski, Polska 2025, 107'
Kino bez barier: Pan Tadeusz
Film „Pan Tadeusz” Andrzeja Wajdy.
Film dla osób powyżej 13 roku życia.
Czas trwania: 2 godziny i 27 minut. Kraj produkcji: Polska. Gatunek: historyczny, kostiumowy.
Odrestaurowana wersja adaptacji dzieła Adama Mickiewicza w wykonaniu Andrzeja Wajdy. Osiemnastoletni Tadeusz Soplica wraca do rodzinnego majątku. Jego stryj chce go wyswatać z Zosią, by pogodzić zwaśnione od wielu lat rody.
Treści wrażliwe: brak
Język: polski z polskimi napisami dla niesłyszących i polską audiodeskrypcją. Pokaz w czwartek 27 marca także z tłumaczeniem na polski język migowy.
PAN TADEUSZ, reż. Andrzej Wajda, Polska 1999, 147'
Film dla osób powyżej 13 roku życia.
Czas trwania: 2 godziny i 27 minut. Kraj produkcji: Polska. Gatunek: historyczny, kostiumowy.
Odrestaurowana wersja adaptacji dzieła Adama Mickiewicza w wykonaniu Andrzeja Wajdy. Osiemnastoletni Tadeusz Soplica wraca do rodzinnego majątku. Jego stryj chce go wyswatać z Zosią, by pogodzić zwaśnione od wielu lat rody.
Treści wrażliwe: brak
Język: polski z polskimi napisami dla niesłyszących i polską audiodeskrypcją. Pokaz w czwartek 27 marca także z tłumaczeniem na polski język migowy.
PAN TADEUSZ, reż. Andrzej Wajda, Polska 1999, 147'
Kino bez barier: Wielka Warszawska
Film „Wielka Warszawska” Bartłomieja Ignaciuka.
Film dla osób powyżej 15 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 50 minut. Kraj produkcji: Polska.
Gatunek: sportowy, komedia.
Młody dżokej Krzysiek marzy o triumfie w wyścigu konnym Wielka Warszawska. Odkrywa jednak, że w środowisku wyścigów liczą się układy i korupcja. Musi wybrać między pasją a pokusą szybkiej kariery.
Treści wrażliwe: hazard, wulgaryzmy
Język: polski z polskimi napisami dla niesłyszących, polską audiodeskrypcją oraz tłumaczeniem na polski język migowy.
WIELKA WARSZAWSKA, reż. Bartłomiej Ignaciuk, Polska 2025, 110'
Film dla osób powyżej 15 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 50 minut. Kraj produkcji: Polska.
Gatunek: sportowy, komedia.
Młody dżokej Krzysiek marzy o triumfie w wyścigu konnym Wielka Warszawska. Odkrywa jednak, że w środowisku wyścigów liczą się układy i korupcja. Musi wybrać między pasją a pokusą szybkiej kariery.
Treści wrażliwe: hazard, wulgaryzmy
Język: polski z polskimi napisami dla niesłyszących, polską audiodeskrypcją oraz tłumaczeniem na polski język migowy.
WIELKA WARSZAWSKA, reż. Bartłomiej Ignaciuk, Polska 2025, 110'
Kino bez barier: Zima pod znakiem Wrony
Film „Zima pod znakiem Wrony” Kasi Adamik.
Film dla osób powżyej 15 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 52 minuty. Kraj produkcji: Polska, Wielka Brytania, Luksemburg.
Gatunek:
Warszawa, 13 grudnia 1981 roku. Brytyjska profesora psychiatrii, doktor Joan Andrews, przybywa do Polski na gościnne wykłady na uniwersytecie. Tego dnia władze ludowe ogłaszają właśnie stan wojenny i cały kraj z dnia na dzień zamiera.
Treści wrażliwe: treści dotyczące wojny.
Język: anigielski i polski z polskimi napisami dla osób niesłyszących, polską audiodeskrypcją.
Pokaz w czwartek 19 marca także z tłumaczeniem na polski język migowy.
ZIMA POD ZNAKIEM WRONY, reż. Kasia Adamik, Polska, Wielka Brytania, Luksemburg 2025, 112'
Film dla osób powżyej 15 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 52 minuty. Kraj produkcji: Polska, Wielka Brytania, Luksemburg.
Gatunek:
Warszawa, 13 grudnia 1981 roku. Brytyjska profesora psychiatrii, doktor Joan Andrews, przybywa do Polski na gościnne wykłady na uniwersytecie. Tego dnia władze ludowe ogłaszają właśnie stan wojenny i cały kraj z dnia na dzień zamiera.
Treści wrażliwe: treści dotyczące wojny.
Język: anigielski i polski z polskimi napisami dla osób niesłyszących, polską audiodeskrypcją.
Pokaz w czwartek 19 marca także z tłumaczeniem na polski język migowy.
ZIMA POD ZNAKIEM WRONY, reż. Kasia Adamik, Polska, Wielka Brytania, Luksemburg 2025, 112'
Kino bez barier: Życie dla początkujących
Film „Życie dla początkujących” Pawła Podolskiego.
Film dla osób powyżej 15 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 20 minut. Kraj produkcji: Polska. Gatunek: komedia.
Urocza komedia o wampirach. Wampirzyca Monia pracuje w domu spokojnej starości. Jej spokój burzy Czarek, który odkrywa jej sekret. Wkrótce w ośrodku pojawia się drugi wampir – Mirek, dawny znajomy Moni.
Po seansie w czwartek, 5 marca, spotkanie z reżyserem i scenarzystką filmu.
Język: polski z polską audiodeskrypcją, polskimi napisami dla niesłyszących i tłumaczeniem na polski język migowy.
ŻYCIE DLA POCZĄTKUJĄCYCH, reż. Paweł Podolski, Polska 2025, 80'
Film dla osób powyżej 15 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 20 minut. Kraj produkcji: Polska. Gatunek: komedia.
Urocza komedia o wampirach. Wampirzyca Monia pracuje w domu spokojnej starości. Jej spokój burzy Czarek, który odkrywa jej sekret. Wkrótce w ośrodku pojawia się drugi wampir – Mirek, dawny znajomy Moni.
Po seansie w czwartek, 5 marca, spotkanie z reżyserem i scenarzystką filmu.
Język: polski z polską audiodeskrypcją, polskimi napisami dla niesłyszących i tłumaczeniem na polski język migowy.
ŻYCIE DLA POCZĄTKUJĄCYCH, reż. Paweł Podolski, Polska 2025, 80'
Kopnęłabym cię, gdybym mogła
Film „Kopnęłabym cię, gdybym mogła” wyprodukowany przez studio A24, z nagrodzoną na Berlinale 2025 kreacją Rose Byrne, to emocjonalny rollercoaster o kobiecie, która każdego dnia toczy walkę z rzeczywistością, rozpadającym się życiem i własnymi granicami wytrzymałości.
Kiedy jej córka zapada na tajemniczą chorobę, a mąż znika w interesach, świat Lindy zaczyna się walić, zamieniając jej codzienność w bieg z przeszkodami, którego nie da się ukończyć.
W bliskich kadrach o niesamowitej intensywności wizualnej film pulsuje napięciem i emocjami. Rose Byrne tworzy kreację na miarę Oscara, wykonując mistrzowski slalom między gniewem, rozpaczą, determinacją i szaleństwem. To realistyczny, przejmujący, a zarazem niepokojący portret kobiety, która w obliczu chaosu próbuje zachować resztki kontroli. Reżyserka Mary Bronstein, czerpiąc inspirację z własnej historii, i producent Josh Safdie („Nieoszlifowane diamenty”) serwują kino, które obala mit doskonałego macierzyństwa i zostawia widza bez tchu. W drugoplanowej obsadzie występują rewelacyjni Conan O’Brien jako terapeuta i raper A$AP Rocky jako dozorca motelu.
Język: angielski z polskimi napisami
KOPNĘŁABYM CIĘ, GDYBYM MOGŁA, reż. Mary Bronstein, USA 2025, 113’
Kiedy jej córka zapada na tajemniczą chorobę, a mąż znika w interesach, świat Lindy zaczyna się walić, zamieniając jej codzienność w bieg z przeszkodami, którego nie da się ukończyć.
W bliskich kadrach o niesamowitej intensywności wizualnej film pulsuje napięciem i emocjami. Rose Byrne tworzy kreację na miarę Oscara, wykonując mistrzowski slalom między gniewem, rozpaczą, determinacją i szaleństwem. To realistyczny, przejmujący, a zarazem niepokojący portret kobiety, która w obliczu chaosu próbuje zachować resztki kontroli. Reżyserka Mary Bronstein, czerpiąc inspirację z własnej historii, i producent Josh Safdie („Nieoszlifowane diamenty”) serwują kino, które obala mit doskonałego macierzyństwa i zostawia widza bez tchu. W drugoplanowej obsadzie występują rewelacyjni Conan O’Brien jako terapeuta i raper A$AP Rocky jako dozorca motelu.
Język: angielski z polskimi napisami
KOPNĘŁABYM CIĘ, GDYBYM MOGŁA, reż. Mary Bronstein, USA 2025, 113’
La Grazia
„La Grazia" to mistrzowsko skonstruowana i głęboko poruszająca opowieść z nagrodzoną w Wenecji, wybitną rolą Toniego Servillo. Laureat Oscara Paolo Sorrentino, twórca „Wielkiego piękna" i „Młodości", powraca z przewrotną, pełną subtelnego humoru historią o dylematach i uczuciach, które nie dają spokoju. O tym, jak pod ciężarem odpowiedzialności odnaleźć lekkość i drogę do wewnętrznej harmonii.
Mężczyzna, który mimo upływu lat wciąż nie potrafi wybaczyć zmarłej żonie zdrady. Ojciec, który nie umie odnaleźć drogi do swojej córki. Powszechnie szanowany mąż stanu, na którego barkach spoczywa nie tylko los całego kraju, ale i życie dwojga skazanych na dożywocie. Wreszcie pełen sprzeczności człowiek, który nie potrafi wybaczyć sobie ani innym i wciąż zadaje pytanie: do kogo należą nasze dni?
Toni Servillo w filmie „La Grazia" wciela się w wielowymiarową i fascynującą postać uwielbianego przez miliony prezydenta, w którego rękach znajduje się prawo łaski. U schyłku swojej kadencji staje on przed dylematem, która zbrodnia zasługuje na wybaczenie: brutalny akt miłosierdzia czy morderstwo z miłości? W swoim niepodrabialnym stylu Sorrentino udowadnia, że nawet znając siebie, możemy w każdej chwili podjąć decyzję, która zaskoczy nas samych – i przyniesie wewnętrzną wolność.
Język: włoski z polskimi napisami
LA GRAZIA, reż. Paolo Sorrentino, Włochy 2025, 133'
Mężczyzna, który mimo upływu lat wciąż nie potrafi wybaczyć zmarłej żonie zdrady. Ojciec, który nie umie odnaleźć drogi do swojej córki. Powszechnie szanowany mąż stanu, na którego barkach spoczywa nie tylko los całego kraju, ale i życie dwojga skazanych na dożywocie. Wreszcie pełen sprzeczności człowiek, który nie potrafi wybaczyć sobie ani innym i wciąż zadaje pytanie: do kogo należą nasze dni?
Toni Servillo w filmie „La Grazia" wciela się w wielowymiarową i fascynującą postać uwielbianego przez miliony prezydenta, w którego rękach znajduje się prawo łaski. U schyłku swojej kadencji staje on przed dylematem, która zbrodnia zasługuje na wybaczenie: brutalny akt miłosierdzia czy morderstwo z miłości? W swoim niepodrabialnym stylu Sorrentino udowadnia, że nawet znając siebie, możemy w każdej chwili podjąć decyzję, która zaskoczy nas samych – i przyniesie wewnętrzną wolność.
Język: włoski z polskimi napisami
LA GRAZIA, reż. Paolo Sorrentino, Włochy 2025, 133'
MET Opera 2025/26: Tristan i Izolda
MET Opera 2025/26: TRISTAN I IZOLDA (Tristan und Isolde)
Po latach oczekiwań już 21 marca 2026 roku na ekranach kin na całym świecie zagości transmisja, której nie sposób przegapić. Zjawiskowa Lise Davidsen zmierzy się z jedną z najbardziej wymagających partii dla sopranu dramatycznego – rolą irlandzkiej księżniczki Izoldy w Tristanie i Izoldzie, operowej, poruszającej medytacji Wagnera nad miłością i śmiercią. Partnerować jej będzie tenor Michael Spyres jako owładnięty uczuciem Tristan.
To niezwykłe wydarzenie to także premiera nowej inscenizacji w reżyserii Yuvala Sharona – artysty, którego The New York Times okrzyknął „najbardziej wizjonerskim reżyserem operowym swojego pokolenia” oraz pierwszego Amerykanina, który wyreżyserował operę na słynnym festiwalu w Bayreuth. Będzie to także pierwsze wykonanie Tristana i Izoldy w nowojorskiej operze pod batutą dyrektora muzycznego Met, Yannicka Nézet-Séguina. Mezzosopranistka Ekaterina Gubanova ponownie wcieli się w Brangenę, a bas-baryton Tomasz Konieczny wystąpi jako Gorwenal (po entuzjastycznie przyjętych rolach w Holendrze tułaczu i Pierścieniu Nibelunga). W roli króla Marka zadebiutuje bas-baryton Ryan Speedo Green.
Czas trwania: ok. 5 godzin i 12 minut (2 przerwy)
--
reż. Yuval Sharon
język: angielski z polskimi napisami
autor: Richard Wagner (libretto: Richard Wagner)
Obsada:
Lise Davidsen (Izolda)
Ekaterina Gubanova (Brangena)
Michael Spyres (Tristan)
Tomasz Konieczny (Gorwenal)
Ryan Speedo Green (Król Marek)
Twórcy:
Yannick Nézet-Séguin (dyrygent)
Yuval Sharon (reżyseria)
Es Devlin (scenografia)
Clint Ramos (kostiumy)
John Torres (światło)
Ruth Hogben (projekcje)
Annie-B Parson (choreografia)
Po latach oczekiwań już 21 marca 2026 roku na ekranach kin na całym świecie zagości transmisja, której nie sposób przegapić. Zjawiskowa Lise Davidsen zmierzy się z jedną z najbardziej wymagających partii dla sopranu dramatycznego – rolą irlandzkiej księżniczki Izoldy w Tristanie i Izoldzie, operowej, poruszającej medytacji Wagnera nad miłością i śmiercią. Partnerować jej będzie tenor Michael Spyres jako owładnięty uczuciem Tristan.
To niezwykłe wydarzenie to także premiera nowej inscenizacji w reżyserii Yuvala Sharona – artysty, którego The New York Times okrzyknął „najbardziej wizjonerskim reżyserem operowym swojego pokolenia” oraz pierwszego Amerykanina, który wyreżyserował operę na słynnym festiwalu w Bayreuth. Będzie to także pierwsze wykonanie Tristana i Izoldy w nowojorskiej operze pod batutą dyrektora muzycznego Met, Yannicka Nézet-Séguina. Mezzosopranistka Ekaterina Gubanova ponownie wcieli się w Brangenę, a bas-baryton Tomasz Konieczny wystąpi jako Gorwenal (po entuzjastycznie przyjętych rolach w Holendrze tułaczu i Pierścieniu Nibelunga). W roli króla Marka zadebiutuje bas-baryton Ryan Speedo Green.
Czas trwania: ok. 5 godzin i 12 minut (2 przerwy)
--
reż. Yuval Sharon
język: angielski z polskimi napisami
autor: Richard Wagner (libretto: Richard Wagner)
Obsada:
Lise Davidsen (Izolda)
Ekaterina Gubanova (Brangena)
Michael Spyres (Tristan)
Tomasz Konieczny (Gorwenal)
Ryan Speedo Green (Król Marek)
Twórcy:
Yannick Nézet-Séguin (dyrygent)
Yuval Sharon (reżyseria)
Es Devlin (scenografia)
Clint Ramos (kostiumy)
John Torres (światło)
Ruth Hogben (projekcje)
Annie-B Parson (choreografia)
MET Opera Live 2025/26: Eugeniusz Oniegin
MET Opera Live 2025/26: EUGENIUSZ ONIEGIN (Eugene Onegin)
Po entuzjastycznie przyjętym debiucie w Metropolitan Opera w 2024 roku, gdzie wystąpiła jako Cio-Cio- San w Madama Butterfly Pucciniego, sopranistka Asmik Grigorian powraca na nowojorską scenę w roli Tatiany – zakochanej młodej kobiety i głównej bohaterki pełnej namiętności operowej adaptacji poematu Puszkina. Spektakl będzie transmitowany na żywo ze sceny Metropolitan Opera do kin na całym świecie 2 maja 2026 roku. Baryton Igor Golovatenko ponownie wcieli się w eleganckiego, lecz emocjonalnie zdystansowanego Oniegina, który zbyt późno uświadamia sobie swoje prawdziwe uczucia. W poruszającej inscenizacji w reżyserii laureatki Nagrody Tony, Deborah Warner, „otrzymujemy pięknie dopracowaną interpretację lirycznego romansu Czajkowskiego”. [Źródło: The Telegraph]
Czas trwania: ok. 4 godziny i 5 minut (2 przerwy)
--
reż. Deborah Warner
język: angielski z polskimi napisami
Transmisja na żywo
autor: Piotr Czajkowski (libretto: Piotr Czajkowski i Konstantin Szyłowski)
Obsada:
Asmik Grigorian (Tatiana)
Maria Barakova (Olga)
Stephanie Blythe (Filipiewna)
Stanislas de Barbeyrac (Leński)
Igor Golovatenko (Eugeniusz Oniegin)
Alexander Tsymbalyuk (Książę Gremin)
Twórcy:
Timur Zangiev (dyrygent)
Deborah Warner (reżyseria)
Tom Pye (scenografia)
Chloe Obolensky (kostiumy)
Jean Kalman (światło)
Ian William Gallowayi Finn Ross (projekcje)
Kim Brandstrup (choreografia)
Po entuzjastycznie przyjętym debiucie w Metropolitan Opera w 2024 roku, gdzie wystąpiła jako Cio-Cio- San w Madama Butterfly Pucciniego, sopranistka Asmik Grigorian powraca na nowojorską scenę w roli Tatiany – zakochanej młodej kobiety i głównej bohaterki pełnej namiętności operowej adaptacji poematu Puszkina. Spektakl będzie transmitowany na żywo ze sceny Metropolitan Opera do kin na całym świecie 2 maja 2026 roku. Baryton Igor Golovatenko ponownie wcieli się w eleganckiego, lecz emocjonalnie zdystansowanego Oniegina, który zbyt późno uświadamia sobie swoje prawdziwe uczucia. W poruszającej inscenizacji w reżyserii laureatki Nagrody Tony, Deborah Warner, „otrzymujemy pięknie dopracowaną interpretację lirycznego romansu Czajkowskiego”. [Źródło: The Telegraph]
Czas trwania: ok. 4 godziny i 5 minut (2 przerwy)
--
reż. Deborah Warner
język: angielski z polskimi napisami
Transmisja na żywo
autor: Piotr Czajkowski (libretto: Piotr Czajkowski i Konstantin Szyłowski)
Obsada:
Asmik Grigorian (Tatiana)
Maria Barakova (Olga)
Stephanie Blythe (Filipiewna)
Stanislas de Barbeyrac (Leński)
Igor Golovatenko (Eugeniusz Oniegin)
Alexander Tsymbalyuk (Książę Gremin)
Twórcy:
Timur Zangiev (dyrygent)
Deborah Warner (reżyseria)
Tom Pye (scenografia)
Chloe Obolensky (kostiumy)
Jean Kalman (światło)
Ian William Gallowayi Finn Ross (projekcje)
Kim Brandstrup (choreografia)
MET Opera Live 2025/26: Ostatni sen Fridy i Diega
MET Opera Live 2025/26: OSTATNI SEN FRIDY I DIEGA (Ultimo Sueño de Frida y Diego)
30 maja 2026 roku sezon The Met: Live in HD 2025–26 zakończy się transmisją na żywo pierwszej opery amerykańskiej kompozytorki Gabrieli Leny Frank: utrzymanym w konwencji realizmu magicznego portretem meksykańskiej pary artystów, Fridy Kahlo i Diega Rivery. Libretto napisał laureat Nagrody Pulitzera, dramatopisarz Nilo Cruz. Opera, nawiązująca do mitu o Orfeuszu i Eurydyce, opowiada historię Fridy, w której postać wciela się mezzosopranistka Isabel Leonard. Frida powraca z zaświatów w Dzień Zmarłych, by ponownie spotkać się z Diegiem (w tej roli baryton Carlos Álvarez). Ta słynąca z licznych sporów para na krótko ożywia swój burzliwy romans, by doświadczyć zarówno namiętności, jak i cierpienia, zanim pożegnają się na zawsze ze światem żywych. Dyrygent Yannick Nézet-Séguin poprowadzi wykonanie opery Frank w Metropolitan Opera. Za reżyserię i choreografię nowej produkcji, inspirowanej obrazami Fridy i Diega oraz „pełnej barw i świeżej indywidualności” (Los Angeles Times) odpowiada Deborah Colker.
Czas trwania: ok. 2 godziny i 48 minut (1 przerwa)
--
reż. Deborah Colker
język: angielski z polskimi napisami
autor: Gabriela Lena Frank (libretto: Nilo Cruz)
Obsada:
Gabriella Reyes (Catrina)
Isabel Leonard (Frida)
Nils Wanderer (Leonardo)
Carlos Álvarez (Diego)
Twórcy:
Yannick Nézet-Séguin (dyrygent)
Deborah Colker (reżyseria)
Jon Bausor (scenografia i kostiumy)
Adam Silverman (światło)
Deborah Colker (choreografia)
30 maja 2026 roku sezon The Met: Live in HD 2025–26 zakończy się transmisją na żywo pierwszej opery amerykańskiej kompozytorki Gabrieli Leny Frank: utrzymanym w konwencji realizmu magicznego portretem meksykańskiej pary artystów, Fridy Kahlo i Diega Rivery. Libretto napisał laureat Nagrody Pulitzera, dramatopisarz Nilo Cruz. Opera, nawiązująca do mitu o Orfeuszu i Eurydyce, opowiada historię Fridy, w której postać wciela się mezzosopranistka Isabel Leonard. Frida powraca z zaświatów w Dzień Zmarłych, by ponownie spotkać się z Diegiem (w tej roli baryton Carlos Álvarez). Ta słynąca z licznych sporów para na krótko ożywia swój burzliwy romans, by doświadczyć zarówno namiętności, jak i cierpienia, zanim pożegnają się na zawsze ze światem żywych. Dyrygent Yannick Nézet-Séguin poprowadzi wykonanie opery Frank w Metropolitan Opera. Za reżyserię i choreografię nowej produkcji, inspirowanej obrazami Fridy i Diega oraz „pełnej barw i świeżej indywidualności” (Los Angeles Times) odpowiada Deborah Colker.
Czas trwania: ok. 2 godziny i 48 minut (1 przerwa)
--
reż. Deborah Colker
język: angielski z polskimi napisami
autor: Gabriela Lena Frank (libretto: Nilo Cruz)
Obsada:
Gabriella Reyes (Catrina)
Isabel Leonard (Frida)
Nils Wanderer (Leonardo)
Carlos Álvarez (Diego)
Twórcy:
Yannick Nézet-Séguin (dyrygent)
Deborah Colker (reżyseria)
Jon Bausor (scenografia i kostiumy)
Adam Silverman (światło)
Deborah Colker (choreografia)
Nagi instynkt
Ciało kusi, namiętność zabija: legendarny thriller Paula Verhoevena powraca w nowej, nieocenzurowanej wersji odrestaurowanej w 4K.
Detektyw Nick Curran (Michael Douglas) z San Francisco ma kłopotliwą przeszłość, słabość do używek i gwałtowny charakter. Kiedy zaczyna badać zabójstwo muzyka rockowego dokonane szpikulcem do lodu, poznaje główną podejrzaną Catherine Tramell (Sharon Stone): zjawiskową, pewną siebie pisarkę i milionerkę, której powieści w niepokojący sposób przypominają prawdziwe morderstwa. Między parą wywiązuje się dwuznaczna erotyczna gra.
Nagi instynkt był sensacją lat 90.: jednym z najbardziej kasowych i zmysłowych filmów dekady. Ikoniczna kreacja Sharon Stone – lodowatej, przebiegłej i zmysłowej blondynki – wyniosła aktorkę na hollywoodzki szczyt. Kontrowersyjny w momencie premiery film składa hołd Hitchcockowi (na czele z Zawrotem głowy), ale jest dreszczowcem nowego typu: odurzająco atrakcyjnym, brutalnym, pełnym perwersji i mrocznego nastroju kina noir. Duet prowokatorów, czyli najlepiej wówczas opłacany w Hollywood scenarzysta Joe Eszterhas oraz Holender Verhoeven, stworzyli perfekcyjną mieszankę niegrzecznej rozrywki i narracyjnego szoku.
Niemal ćwierć wieku po premierze, Nagi instynkt nęci i ostrzega: zakochasz się we mnie na zabój.
Język: angielski z polskimi napisami
NAGI INSTYNKT, reż. Paul Verhoeven, USA 1992, 129'
Detektyw Nick Curran (Michael Douglas) z San Francisco ma kłopotliwą przeszłość, słabość do używek i gwałtowny charakter. Kiedy zaczyna badać zabójstwo muzyka rockowego dokonane szpikulcem do lodu, poznaje główną podejrzaną Catherine Tramell (Sharon Stone): zjawiskową, pewną siebie pisarkę i milionerkę, której powieści w niepokojący sposób przypominają prawdziwe morderstwa. Między parą wywiązuje się dwuznaczna erotyczna gra.
Nagi instynkt był sensacją lat 90.: jednym z najbardziej kasowych i zmysłowych filmów dekady. Ikoniczna kreacja Sharon Stone – lodowatej, przebiegłej i zmysłowej blondynki – wyniosła aktorkę na hollywoodzki szczyt. Kontrowersyjny w momencie premiery film składa hołd Hitchcockowi (na czele z Zawrotem głowy), ale jest dreszczowcem nowego typu: odurzająco atrakcyjnym, brutalnym, pełnym perwersji i mrocznego nastroju kina noir. Duet prowokatorów, czyli najlepiej wówczas opłacany w Hollywood scenarzysta Joe Eszterhas oraz Holender Verhoeven, stworzyli perfekcyjną mieszankę niegrzecznej rozrywki i narracyjnego szoku.
Niemal ćwierć wieku po premierze, Nagi instynkt nęci i ostrzega: zakochasz się we mnie na zabój.
Język: angielski z polskimi napisami
NAGI INSTYNKT, reż. Paul Verhoeven, USA 1992, 129'
Nie ma duchów w mieszkaniu na Dobrej
Czworo wchodzącego w dorosłość rodzeństwa stara się budować niezależne drogi życiowe, nie tracąc przy tym łączących ich więzi. Najmłodszy, Benek, zmaga się z odrzuceniem przez starszego brata, Franka, który dotąd był jego najlepszym przyjacielem. Na dodatek nawiedza go tajemnicza zjawa – Dusiołek – która nie pozwala mu zasnąć. Uciekający od rodziny Franek ma problemy z dziewczyną, narkotykami oraz samym sobą. Stan Franka niepokoi poszukującą miłości Nastkę, jego siostrę bliźniaczkę. Najstarsza z rodzeństwa, Jana, pracuje nad projektem artystycznym, który ma przynieść ulgę nie tylko młodszemu rodzeństwu, ale i jej samej.
Język: polski
NIE MA DUCHÓW W MIESZKANIU NA DOBREJ, reż. Emi Buchwald, Polska 2025, 90'
Język: polski
NIE MA DUCHÓW W MIESZKANIU NA DOBREJ, reż. Emi Buchwald, Polska 2025, 90'
Nominowane do Oscara 2026 Krótkometrażowe Filmy Aktorskie
Program: Nominowane do Oscara 2026 Krótkometrażowe Filmy Aktorskie
Tegoroczny zestaw nominowanych do Oscara krótkometrażowych filmów aktorskich (kategoria Live Action Short Film) to cztery historie o napięciach współczesnego świata – o tożsamości, uprzedzeniach, intymności i odwadze bycia sobą. Każdy z filmów przygląda się relacjom międzyludzkim w sytuacjach granicznych, gdzie codzienność zderza się z presją społeczną, polityczną lub kulturową.
„Skaza rzeźnika” (Butcher’s Stain) to przejmujący portret mężczyzny oskarżonego o czyn, którego nie popełnił – opowieść o walce o godność i prawo do pracy w rzeczywistości naznaczonej podejrzliwością i podziałami. „Przyjaciel Dorothy” (A Friend of Dorothy) z właściwą brytyjskiemu humorowi lekkością pokazuje, jak przypadek może połączyć dwa pokolenia i otworzyć drzwi do niespodziewanej bliskości. „Dramat z okresu Jane Austen” (Jane Austen’s Period Drama) przewrotnie igra z konwencją kostiumowego romansu, wykorzystując błyskotliwą grę słów i demaskując ignorancję ukrytą pod pozorami elegancji. Z kolei „Dwie osoby wymieniające się śliną” (Two People Exchanging Saliva) przenoszą widza do świata, w którym czułość staje się aktem sprzeciwu – intymność okazuje się formą odwagi wobec przemocy i kontroli. „Śpiewacy” (The Singers) zabierają nas natomiast do zadymionego baru, gdzie podczas improwizowanego pojedynku wokalnego samotność ustępuje miejsca wspólnocie, a zwykły wieczór zmienia się w poruszający hymn o potrzebie bliskości i sile muzyki.
Wspólnie filmy tworzą wielowymiarową opowieść o potrzebie bliskości, o cenie konwenansów i o tym, jak kruche, a zarazem odważne potrafią być ludzkie relacje.
FILMY W ZESTAWIE
Skaza rzeźnika (Butcher’s Stain) / reż. Meyer Levinson-Blount / Izrael / 2025 / 26’
Przyjaciel Dorothy (A Friend of Dorothy) / reż. Lee Knight / Wielka Brytania / 2025 / 21’
Dramat z okresu Jane Austen (Jane Austen’s Period Drama) / reż. Julia Aks, Steve Pinder / USA / 2024 / 13’
Dwie osoby wymieniające się śliną (Two People Exchanging Saliva) / reż. Natalie Musteata, Alexandre Singh / Francja, USA / 2024 / 36’
Śpiewacy (The Singers) / reż. Sam A. Davis / USA / 2025 / 18’
Wersja językowa: oryginalna z polskimi i angielskimi napisami
Łączny czas trwania programu: 116 minut
NOMINOWANE DO OSCARA 2026 KRÓTKOMETRAŻOWE FILMY AKTORSKIE, 116'
Skaza rzeźnika (Butcher’s Stain) / reż. Meyer Levinson-Blount / Izrael / 2025 / 26’
Samir, arabski Izraelczyk pracujący w supermarkecie w Tel Awiwie, zostaje oskarżony o zerwanie plakatów z wizerunkami zakładników w pokoju socjalnym. Wyrusza, by udowodnić swoją niewinność i utrzymać pracę, której desperacko potrzebuje.
Przyjaciel Dorothy (A Friend of Dorothy) / reż. Lee Knight / Wielka Brytania / 2025 / 21’
Spokojne życie samotnej wdowy zostaje wywrócone do góry nogami, gdy nastoletni chłopiec przypadkowo wykopuje piłkę do jej ogrodu. W obsadzie znalazła się śmietanka aktorska kultowego brytyjskiego humoru, m.in. Miriam Margolyes i Stephen Fry.
Dramat z okresu Jane Austen (Jane Austen’s Period Drama) / reż. Julia Aks, Steve Pinder / USA / 2024 / 13’
Anglia, 1813 rok. W samym środku długo wyczekiwanej propozycji małżeństwa panna Estrogenia Talbot dostaje okresu. Jej adorator, pan Dickley, bierze krew za oznakę groźnej rany, a wkrótce staje się jasne, że jego kosztowne wykształcenie ma braki w pewnych zasadniczych kwestiach nowoczesnej medycyny... Oryginalny tytuł Jane Austen’s Period Drama to satyra na „Dumę i uprzedzenie”, przewrotnie wykorzystuje dwuznaczność zestawienia słów „period drama”, co w tłumaczeniu oznacza klasyczny dramat kostiumowy, ale „period” oznacza również miesiączkę, co stanowi punkt wyjścia dla filmowego żartu.
Dwie osoby wymieniające się śliną (Two People Exchanging Saliva) / reż. Natalie Musteata, Alexandre Singh / Francja, USA / 2024 / 36’
W świecie, w którym pocałunek grozi karą śmierci, a walutą są policzki wymierzane w twarz, nieszczęśliwa Angine ucieka w kompulsywne zakupy w domu towarowym. Tam jej uwagę przyciąga beztroska sprzedawczyni. Choć czułość jest surowo zakazana, między kobietami rodzi się bliskość, która budzi zazdrość jednej z pracownic. Narratorce głosu użyczyła znana aktorka Vicky Krieps („W gorsecie”, „Nić widmo”).
Śpiewacy (The Singers) / reż. Sam A. Davis / USA / 2025 / 18’
Pewnej zimowej nocy, samotny mężczyzna znajduje ciepło i życzliwość w podrzędnym barze podczas improwizowanego konkursu piosenki. Film uznanego reżysera i autora zdjęć Sama Davisa pokazuje, jak wspólny śpiew potrafi zbliżyć ludzi i przemienić samotność w chwilę prawdziwej wspólnoty i emocjonalnej ulgi, co sprawia, że historia zyskuje naprawdę uniwersalny wymiar i zostaje z widzem na długo.
Tegoroczny zestaw nominowanych do Oscara krótkometrażowych filmów aktorskich (kategoria Live Action Short Film) to cztery historie o napięciach współczesnego świata – o tożsamości, uprzedzeniach, intymności i odwadze bycia sobą. Każdy z filmów przygląda się relacjom międzyludzkim w sytuacjach granicznych, gdzie codzienność zderza się z presją społeczną, polityczną lub kulturową.
„Skaza rzeźnika” (Butcher’s Stain) to przejmujący portret mężczyzny oskarżonego o czyn, którego nie popełnił – opowieść o walce o godność i prawo do pracy w rzeczywistości naznaczonej podejrzliwością i podziałami. „Przyjaciel Dorothy” (A Friend of Dorothy) z właściwą brytyjskiemu humorowi lekkością pokazuje, jak przypadek może połączyć dwa pokolenia i otworzyć drzwi do niespodziewanej bliskości. „Dramat z okresu Jane Austen” (Jane Austen’s Period Drama) przewrotnie igra z konwencją kostiumowego romansu, wykorzystując błyskotliwą grę słów i demaskując ignorancję ukrytą pod pozorami elegancji. Z kolei „Dwie osoby wymieniające się śliną” (Two People Exchanging Saliva) przenoszą widza do świata, w którym czułość staje się aktem sprzeciwu – intymność okazuje się formą odwagi wobec przemocy i kontroli. „Śpiewacy” (The Singers) zabierają nas natomiast do zadymionego baru, gdzie podczas improwizowanego pojedynku wokalnego samotność ustępuje miejsca wspólnocie, a zwykły wieczór zmienia się w poruszający hymn o potrzebie bliskości i sile muzyki.
Wspólnie filmy tworzą wielowymiarową opowieść o potrzebie bliskości, o cenie konwenansów i o tym, jak kruche, a zarazem odważne potrafią być ludzkie relacje.
FILMY W ZESTAWIE
Skaza rzeźnika (Butcher’s Stain) / reż. Meyer Levinson-Blount / Izrael / 2025 / 26’
Przyjaciel Dorothy (A Friend of Dorothy) / reż. Lee Knight / Wielka Brytania / 2025 / 21’
Dramat z okresu Jane Austen (Jane Austen’s Period Drama) / reż. Julia Aks, Steve Pinder / USA / 2024 / 13’
Dwie osoby wymieniające się śliną (Two People Exchanging Saliva) / reż. Natalie Musteata, Alexandre Singh / Francja, USA / 2024 / 36’
Śpiewacy (The Singers) / reż. Sam A. Davis / USA / 2025 / 18’
Wersja językowa: oryginalna z polskimi i angielskimi napisami
Łączny czas trwania programu: 116 minut
NOMINOWANE DO OSCARA 2026 KRÓTKOMETRAŻOWE FILMY AKTORSKIE, 116'
Skaza rzeźnika (Butcher’s Stain) / reż. Meyer Levinson-Blount / Izrael / 2025 / 26’
Samir, arabski Izraelczyk pracujący w supermarkecie w Tel Awiwie, zostaje oskarżony o zerwanie plakatów z wizerunkami zakładników w pokoju socjalnym. Wyrusza, by udowodnić swoją niewinność i utrzymać pracę, której desperacko potrzebuje.
Przyjaciel Dorothy (A Friend of Dorothy) / reż. Lee Knight / Wielka Brytania / 2025 / 21’
Spokojne życie samotnej wdowy zostaje wywrócone do góry nogami, gdy nastoletni chłopiec przypadkowo wykopuje piłkę do jej ogrodu. W obsadzie znalazła się śmietanka aktorska kultowego brytyjskiego humoru, m.in. Miriam Margolyes i Stephen Fry.
Dramat z okresu Jane Austen (Jane Austen’s Period Drama) / reż. Julia Aks, Steve Pinder / USA / 2024 / 13’
Anglia, 1813 rok. W samym środku długo wyczekiwanej propozycji małżeństwa panna Estrogenia Talbot dostaje okresu. Jej adorator, pan Dickley, bierze krew za oznakę groźnej rany, a wkrótce staje się jasne, że jego kosztowne wykształcenie ma braki w pewnych zasadniczych kwestiach nowoczesnej medycyny... Oryginalny tytuł Jane Austen’s Period Drama to satyra na „Dumę i uprzedzenie”, przewrotnie wykorzystuje dwuznaczność zestawienia słów „period drama”, co w tłumaczeniu oznacza klasyczny dramat kostiumowy, ale „period” oznacza również miesiączkę, co stanowi punkt wyjścia dla filmowego żartu.
Dwie osoby wymieniające się śliną (Two People Exchanging Saliva) / reż. Natalie Musteata, Alexandre Singh / Francja, USA / 2024 / 36’
W świecie, w którym pocałunek grozi karą śmierci, a walutą są policzki wymierzane w twarz, nieszczęśliwa Angine ucieka w kompulsywne zakupy w domu towarowym. Tam jej uwagę przyciąga beztroska sprzedawczyni. Choć czułość jest surowo zakazana, między kobietami rodzi się bliskość, która budzi zazdrość jednej z pracownic. Narratorce głosu użyczyła znana aktorka Vicky Krieps („W gorsecie”, „Nić widmo”).
Śpiewacy (The Singers) / reż. Sam A. Davis / USA / 2025 / 18’
Pewnej zimowej nocy, samotny mężczyzna znajduje ciepło i życzliwość w podrzędnym barze podczas improwizowanego konkursu piosenki. Film uznanego reżysera i autora zdjęć Sama Davisa pokazuje, jak wspólny śpiew potrafi zbliżyć ludzi i przemienić samotność w chwilę prawdziwej wspólnoty i emocjonalnej ulgi, co sprawia, że historia zyskuje naprawdę uniwersalny wymiar i zostaje z widzem na długo.
Nominowane do Oscara 2026 Krótkometrażowe Filmy Animowane
Program: Nominowane do Oscara 2026 Krótkometrażowe Filmy Animowane
Tegoroczny zestaw nominowanych do Oscara krótkometrażowych filmów animowanych (kategoria Animated Short Film) to podróż przez pięć odmiennych światów – intymnych, baśniowych i pełnych emocji – które łączy refleksja nad pamięcią, relacjami i konsekwencjami ludzkich wyborów.
„Motylek” (Butterfly) prowadzi nas przez życie człowieka, którego los od dzieciństwa po dorosłość spleciony jest z wodą – to poruszająca opowieść o pamięci i sile przetrwania. „Wiecznie zielony” (Forevergreen) opowiada o osieroconym niedźwiadku, który w bezpiecznym cieniu drzewa uczy się, czym jest zaufanie – i jak bolesna bywa pokusa. „Dziewczynka, która płakała perłami” (z polskim nazwiskiem wśród twórców!) to baśń o miłości splątanej z chciwością, w której jedno serce może zapłacić najwyższą cenę. „Plan emerytalny” z czułym humorem przygląda się marzeniom o przyszłości, które więcej mówią o naszym „teraz” niż o tym, co dopiero nadejdzie.
Razem filmy tworzą wielowymiarowy zestaw opowieści o dorastaniu, przemijaniu i potrzebie znalezienia swojego miejsca w świecie.
FILMY W ZESTAWIE
Motylek (Butterfly) / reż. Florence Miailhe /c Francja / 2024 / 15’
Wiecznie zielony (Forevergreen) / reż. Nathan Engelhardt, Jeremy Spears / USA / 2025 / 13’
Dziewczynka, która płakała perłami (The Girl Who Cried Pearls) / reż. Chris Lavis, Maciek Szczerbowski / Kanada / 2025 / 17’
Plan emerytalny (Retirement Plan) / reż. John Kelly / Irlandia / 2024 / 7’
Ważne: W tym roku w tej kategorii nominowany jest także film Trzy siostry (The Three Sisters, reż. Konstantin Bronzit; kraje produkcji: Rosja, Izrael, Cypr). W związku z aktualnym kontekstem geopolitycznym dystrybutor podjął autonomiczną decyzję programową o jego nieuwzględnieniu. Do programu zostanie dołączona plansza ze stosowną informacją.
Łączny czas trwania programu: 52 minuty
Wersja językowa: oryginalna z polskimi i angielskimi napisami
OPISY POSZCZEGÓLNYCH FILMÓW ANIMOWANYCH
Motylek (Butterfly) / reż. Florence Miailhe / Francja / 2024 / 15’
W morzu pływa mężczyzna, a wraz z nim wspomnienia całego życia – od dzieciństwa po dorosłość, wszystkie splecione z wodą - i te szczęśliwe i te, które niosą ból - od dziecięcych basenów po olimpijskie stadiony, od Afryki Północnej po brzegi Morza Śródziemnego, od wojennego koszmaru po marzenie o wolności.
Ta ręcznie malowana animacja (olej i pastel na szkle) inspirowana jest historią Alfreda Nakache – francuskiego pływaka olimpijskiego, którego życie naznaczone było zarówno sportową chwałą, jak i doświadczeniem obozu koncentracyjnego. To poruszająca, wizualnie zachwycając opowieść o pamięci, odporności i sile przetrwania.
Wiecznie zielony (Forevergreen) / reż. Nathan Engelhardt, Jeremy Spears / USA / 2025 /13’
Osierocony niedźwiadek znajduje schronienie u potężnego, zimozielonego drzewa, które staje się dla niego domem i opiekunem. Gdy jednak ciekawość i głód prowadzą go ku ludzkiemu światu, beztroska ustępuje miejsca niebezpieczeństwu.
Ciekawostka: „Drzewo zimozielone” to określenie gatunków iglastych (m.in. sosny, świerku, jodły i cisu) oraz niektórych liściastych (np. laurowiśni czy ostrokrzewu), które zachowują ulistnienie przez cały rok, zapewniając ogrodom strukturę i naturalną osłonę.
Film jest reżyserskim debiutem weteranów animacji, którzy wcześniej pracowali przy wielu znanych produkcjach Disneya, m.in. „Ralph Demolka”, „Zwierzogród”, „Wielka Szóstka”, „Nasze magiczne Encanto”, „Kubuś Puchatek”, „Księżniczka i żaba” czy „Vaiana: Skarb oceanu”.
Dziewczynka, która płakała perłami (The Girl Who Cried Pearls) / reż. Chris Lavis, Maciek Szczerbowski / Kanada / 2025 / 17’
Polski akcent w tegorocznych nominacjach! Jednym z twórców filmu jest reżyser i animator Maciek Szczerbowski, wcześniej nominowany do Oscara za krótkometrażowy film „Madame Tutli-Putli” (2007). Tym razem opowiada historię dziewczynki, której smutek rodzi perły i o chciwości, która potrafi sprowadzić nawet najczystsze serca na manowce.
Montreal, początek XX wieku. Ubogi chłopak odkrywa niezwykły dar swojej ukochanej i zaczyna sprzedawać jej łzy bezwzględnemu właścicielowi lombardu. Gdy pokusa bogactwa zatruwa jego umysł, staje przed wyborem, który może na zawsze odmienić jego los.
Plan emerytalny (Retirement Plan) / reż. John Kelly / Irlandia / 2024 / 7’
Uwięziony w wyczerpującej codzienności wieku średniego Ray coraz częściej oddaje się marzeniom o emeryturze. W myślach planuje wszystko to, na co „kiedyś” wreszcie znajdzie czas – gdy tempo życia zwolni, a obowiązki przestaną go przytłaczać. Głos Ra’a podkłada znany szerokiej publiczności irlandzki aktor Domhnall Gleeson („Czas na miłość”, „Gwiezdne wojny: Ostatni Jedi”).
Tegoroczny zestaw nominowanych do Oscara krótkometrażowych filmów animowanych (kategoria Animated Short Film) to podróż przez pięć odmiennych światów – intymnych, baśniowych i pełnych emocji – które łączy refleksja nad pamięcią, relacjami i konsekwencjami ludzkich wyborów.
„Motylek” (Butterfly) prowadzi nas przez życie człowieka, którego los od dzieciństwa po dorosłość spleciony jest z wodą – to poruszająca opowieść o pamięci i sile przetrwania. „Wiecznie zielony” (Forevergreen) opowiada o osieroconym niedźwiadku, który w bezpiecznym cieniu drzewa uczy się, czym jest zaufanie – i jak bolesna bywa pokusa. „Dziewczynka, która płakała perłami” (z polskim nazwiskiem wśród twórców!) to baśń o miłości splątanej z chciwością, w której jedno serce może zapłacić najwyższą cenę. „Plan emerytalny” z czułym humorem przygląda się marzeniom o przyszłości, które więcej mówią o naszym „teraz” niż o tym, co dopiero nadejdzie.
Razem filmy tworzą wielowymiarowy zestaw opowieści o dorastaniu, przemijaniu i potrzebie znalezienia swojego miejsca w świecie.
FILMY W ZESTAWIE
Motylek (Butterfly) / reż. Florence Miailhe /c Francja / 2024 / 15’
Wiecznie zielony (Forevergreen) / reż. Nathan Engelhardt, Jeremy Spears / USA / 2025 / 13’
Dziewczynka, która płakała perłami (The Girl Who Cried Pearls) / reż. Chris Lavis, Maciek Szczerbowski / Kanada / 2025 / 17’
Plan emerytalny (Retirement Plan) / reż. John Kelly / Irlandia / 2024 / 7’
Ważne: W tym roku w tej kategorii nominowany jest także film Trzy siostry (The Three Sisters, reż. Konstantin Bronzit; kraje produkcji: Rosja, Izrael, Cypr). W związku z aktualnym kontekstem geopolitycznym dystrybutor podjął autonomiczną decyzję programową o jego nieuwzględnieniu. Do programu zostanie dołączona plansza ze stosowną informacją.
Łączny czas trwania programu: 52 minuty
Wersja językowa: oryginalna z polskimi i angielskimi napisami
OPISY POSZCZEGÓLNYCH FILMÓW ANIMOWANYCH
Motylek (Butterfly) / reż. Florence Miailhe / Francja / 2024 / 15’
W morzu pływa mężczyzna, a wraz z nim wspomnienia całego życia – od dzieciństwa po dorosłość, wszystkie splecione z wodą - i te szczęśliwe i te, które niosą ból - od dziecięcych basenów po olimpijskie stadiony, od Afryki Północnej po brzegi Morza Śródziemnego, od wojennego koszmaru po marzenie o wolności.
Ta ręcznie malowana animacja (olej i pastel na szkle) inspirowana jest historią Alfreda Nakache – francuskiego pływaka olimpijskiego, którego życie naznaczone było zarówno sportową chwałą, jak i doświadczeniem obozu koncentracyjnego. To poruszająca, wizualnie zachwycając opowieść o pamięci, odporności i sile przetrwania.
Wiecznie zielony (Forevergreen) / reż. Nathan Engelhardt, Jeremy Spears / USA / 2025 /13’
Osierocony niedźwiadek znajduje schronienie u potężnego, zimozielonego drzewa, które staje się dla niego domem i opiekunem. Gdy jednak ciekawość i głód prowadzą go ku ludzkiemu światu, beztroska ustępuje miejsca niebezpieczeństwu.
Ciekawostka: „Drzewo zimozielone” to określenie gatunków iglastych (m.in. sosny, świerku, jodły i cisu) oraz niektórych liściastych (np. laurowiśni czy ostrokrzewu), które zachowują ulistnienie przez cały rok, zapewniając ogrodom strukturę i naturalną osłonę.
Film jest reżyserskim debiutem weteranów animacji, którzy wcześniej pracowali przy wielu znanych produkcjach Disneya, m.in. „Ralph Demolka”, „Zwierzogród”, „Wielka Szóstka”, „Nasze magiczne Encanto”, „Kubuś Puchatek”, „Księżniczka i żaba” czy „Vaiana: Skarb oceanu”.
Dziewczynka, która płakała perłami (The Girl Who Cried Pearls) / reż. Chris Lavis, Maciek Szczerbowski / Kanada / 2025 / 17’
Polski akcent w tegorocznych nominacjach! Jednym z twórców filmu jest reżyser i animator Maciek Szczerbowski, wcześniej nominowany do Oscara za krótkometrażowy film „Madame Tutli-Putli” (2007). Tym razem opowiada historię dziewczynki, której smutek rodzi perły i o chciwości, która potrafi sprowadzić nawet najczystsze serca na manowce.
Montreal, początek XX wieku. Ubogi chłopak odkrywa niezwykły dar swojej ukochanej i zaczyna sprzedawać jej łzy bezwzględnemu właścicielowi lombardu. Gdy pokusa bogactwa zatruwa jego umysł, staje przed wyborem, który może na zawsze odmienić jego los.
Plan emerytalny (Retirement Plan) / reż. John Kelly / Irlandia / 2024 / 7’
Uwięziony w wyczerpującej codzienności wieku średniego Ray coraz częściej oddaje się marzeniom o emeryturze. W myślach planuje wszystko to, na co „kiedyś” wreszcie znajdzie czas – gdy tempo życia zwolni, a obowiązki przestaną go przytłaczać. Głos Ra’a podkłada znany szerokiej publiczności irlandzki aktor Domhnall Gleeson („Czas na miłość”, „Gwiezdne wojny: Ostatni Jedi”).
Ostatnia sesja w Paryżu | Przedpremiera i spotkanie psychologiczne
PRZEDPREMIERA + SPOTKANIE PSYCHOLOGICZNE
Lilian (laureatka Oscara Jodie Foster) jest cenioną psychiatrą prowadzącą własną praktykę w Paryżu. Jej uporządkowany świat zaczyna się rozpadać po nagłej śmierci wieloletniej pacjentki. Czy było to samobójstwo, morderstwo, a może tragiczna pomyłka lekarska? Dręczona wątpliwościami i poczuciem winy Lilian rozpoczyna prywatne śledztwo, wciągając w nie byłego męża (Daniel Auteuil). "Ostatnia sesja w Paryżu" to błyskotliwy kryminał psychologiczny, w którym napięcie miesza się z groteską, a rozwiązanie tajemnicy staje się intrygującą grą i konfrontacją bohaterki z samą sobą…
Język: francuski z polskimi napisami
OSTATNIA SESJA W PARYŻU, reż. Rebecca Zlotowski, Francja 2025, 105'
Lilian (laureatka Oscara Jodie Foster) jest cenioną psychiatrą prowadzącą własną praktykę w Paryżu. Jej uporządkowany świat zaczyna się rozpadać po nagłej śmierci wieloletniej pacjentki. Czy było to samobójstwo, morderstwo, a może tragiczna pomyłka lekarska? Dręczona wątpliwościami i poczuciem winy Lilian rozpoczyna prywatne śledztwo, wciągając w nie byłego męża (Daniel Auteuil). "Ostatnia sesja w Paryżu" to błyskotliwy kryminał psychologiczny, w którym napięcie miesza się z groteską, a rozwiązanie tajemnicy staje się intrygującą grą i konfrontacją bohaterki z samą sobą…
Język: francuski z polskimi napisami
OSTATNIA SESJA W PARYŻU, reż. Rebecca Zlotowski, Francja 2025, 105'
Pan Nikt kontra Putin
Film pokazujący propagandę i codzienne życie w Rosji. Pasza, nauczyciel w małym miasteczku na Uralu, pracuje w swojej dawnej szkole i filmuje życie jej uczniów jako kronikarz. Jego gabinet jest azylem dla punków, buntowników i wszystkich, którzy pragną wolności. Po rozpoczęciu pełnoskalowej inwazji w Ukrainie i wprowadzeniu patriotycznej polityki, szkoły zostają zmilitaryzowane. Pasza dokumentuje wojskowy dryl, deklaracje lojalności i rosnący strach. Najwięcej mówią reakcje nastolatków – ukradkowe, pełne lęku spojrzenia, czy moment pożegnania przyjaciół wcielonych do wojska. Gdy rok szkolny dobiega końca, Pasza wie, że Karabasz nie jest już jego miejscem… Hit festiwalu Sundance (Specjalna Nagroda Jury) i Millennium Docs Against Gravity, duński kandydat do Oscara®.
Język: rosyjski z polskimi napisami
PAN NIKT KONTRA PUTIN, reż. David Borenstein, Pasha Talankin, Czechy, Dania 2025, 90'
Język: rosyjski z polskimi napisami
PAN NIKT KONTRA PUTIN, reż. David Borenstein, Pasha Talankin, Czechy, Dania 2025, 90'
Pillion
Kiedy myślisz, że widziałeś już wszystko, pojawia się on: ostry jak kolczasta obroża, zmysłowy jak zapach skórzanej kurtki i romantyczny jak nocna przejażdżka motocyklem. „Pillion” Harry’ego Lightona to połączenie queerowego romansu i komediodramatu, w którym elektryzujący duet – Alexander Skarsgård („Wiking”, serial „Sukcesja”) i Harry Melling (serial „Gambit królowej”, „Bielmo”) – z czułością i humorem przełamuje erotyczne tabu. Portretując skomplikowaną relację poczciwego parkingowego i seksownego motocyklisty, „Pillion” zamienia sztywne filmowe konwencje w jazdę bez trzymanki. Seks jeszcze nigdy nie był tak zabawny, a humor — tak podniecający.
TYLKO DLA OSÓB DOROSŁYCH!
Kiedy zabójczo przystojny Ray (Skarsgård) zostawia nieśmiałemu Colinowi (Melling) swój numer telefonu, ten bez wahania pozwala zakuć się w miłosne kajdany. Od tej pory zjawia się na każde wezwanie najatrakcyjniejszego członka klubu bikersów. Nagła przemiana Colina to szok dla jego miłych rodziców, a dla niego samego oszałamiająca nauka jazdy na tylnym siedzeniu. Utrata kontroli i całkowite oddanie – kto by pomyślał, że to takie przyjemne?
„Pillion” brawurowo eksploruje świat relacji BDSM, a przede wszystkim odważnie pokonuje wyboistą drogę wiodącą do seksualnego i emocjonalnego przebudzenia. Ta prowokacyjna, przezabawna i bezwstydnie romantyczna historia miłosna przekonuje też, że nie ma to jak randka w kinie. Nie opieraj się, ty też mu ulegniesz.
Język: angielski z polskimi napisami
PILLION, reż. Harry Lighton, Wielka Brytania, Irlandia 2025, 107'
TYLKO DLA OSÓB DOROSŁYCH!
Kiedy zabójczo przystojny Ray (Skarsgård) zostawia nieśmiałemu Colinowi (Melling) swój numer telefonu, ten bez wahania pozwala zakuć się w miłosne kajdany. Od tej pory zjawia się na każde wezwanie najatrakcyjniejszego członka klubu bikersów. Nagła przemiana Colina to szok dla jego miłych rodziców, a dla niego samego oszałamiająca nauka jazdy na tylnym siedzeniu. Utrata kontroli i całkowite oddanie – kto by pomyślał, że to takie przyjemne?
„Pillion” brawurowo eksploruje świat relacji BDSM, a przede wszystkim odważnie pokonuje wyboistą drogę wiodącą do seksualnego i emocjonalnego przebudzenia. Ta prowokacyjna, przezabawna i bezwstydnie romantyczna historia miłosna przekonuje też, że nie ma to jak randka w kinie. Nie opieraj się, ty też mu ulegniesz.
Język: angielski z polskimi napisami
PILLION, reż. Harry Lighton, Wielka Brytania, Irlandia 2025, 107'
Poranek dla dzieci: Fleak. Futrzak i ja
Kiedy jedenastoletni Tomek spotyka Fleaka – przybysza z innego wymiaru – jego świat staje na głowie. Wraz z nowym przyjacielem wyrusza w niezwykłą przygodę, w której odkrywa moc wyobraźni, odwagi i… własnego cienia.
Po tragicznym wypadku Tomek traci możliwość chodzenia i zamyka się w sobie. Jego relacja z rodzeństwem się rozpada, a codzienność traci kolory – aż do momentu, gdy w jego życiu pojawia się Fleak: włochaty, zabawny stworek z innego wymiaru. Razem przenoszą się do fantastycznego świata, gdzie Tomek uczy się na nowo ufać, śmiać i – dosłownie – stawać na nogi. Ale nic nie jest tak proste, jak się wydaje: jego własny cień wymyka się spod kontroli, stając się zagrożeniem dla otaczającego świata. Czy chłopiec, który stracił wiarę w siebie, zdoła stanąć oko w oko z potworem i przywrócić porządek?
„Fleak. Futrzak i ja” to wzruszająca i pełna przygód animacja dla całej rodziny – film, który rozbawi, poruszy i zostanie w głowie na długo po napisach końcowych. Wejdź do świata, w którym wyobraźnia staje się najpotężniejszą siłą – i odkryj Fleaka na wielkim ekranie!
Wersja językowa: polski dubbing
Kategoria wiekowa: 7+
FLEAK. FUTRZAK I JA, reż. Jens Møller, Finlandia, Polska, Francja, Malezja 2025, 85
Po tragicznym wypadku Tomek traci możliwość chodzenia i zamyka się w sobie. Jego relacja z rodzeństwem się rozpada, a codzienność traci kolory – aż do momentu, gdy w jego życiu pojawia się Fleak: włochaty, zabawny stworek z innego wymiaru. Razem przenoszą się do fantastycznego świata, gdzie Tomek uczy się na nowo ufać, śmiać i – dosłownie – stawać na nogi. Ale nic nie jest tak proste, jak się wydaje: jego własny cień wymyka się spod kontroli, stając się zagrożeniem dla otaczającego świata. Czy chłopiec, który stracił wiarę w siebie, zdoła stanąć oko w oko z potworem i przywrócić porządek?
„Fleak. Futrzak i ja” to wzruszająca i pełna przygód animacja dla całej rodziny – film, który rozbawi, poruszy i zostanie w głowie na długo po napisach końcowych. Wejdź do świata, w którym wyobraźnia staje się najpotężniejszą siłą – i odkryj Fleaka na wielkim ekranie!
Wersja językowa: polski dubbing
Kategoria wiekowa: 7+
FLEAK. FUTRZAK I JA, reż. Jens Møller, Finlandia, Polska, Francja, Malezja 2025, 85
Poranek dla dzieci: Kicia Kocia w podróży
Kicia Kocia powraca do kin! Bystra kotka i jej przyjaciele zapraszają widzów na wyjątkową podróż pełną przygód — spotkają wiele zwierząt, odwiedzą teatr, a nawet polecą samolotem!
Rezolutną Kicię Kocię czeka dużo nowych przeżyć! Ukochana bohaterka książek dla dzieci zabierze widzów na afrykańską sawannę, lotnisko i budowę placu zabaw! Nie będzie jednak sama! Będą jej towarzyszyć wierni przyjaciele – Pacek, Adelka i Julianek! Wybiorą się razem na ciekawą wycieczkę do lasu, gdzie będą poznawać jego mieszkańców. Nauczą się także segregacji śmieci oraz w świetnych humorach pójdą na swój pierwszy spektakl do teatru! Czeka ich sporo dobrej zabawy! Przyłączycie się?
Filmowe opowieści na podstawie uwielbianych książek Anity Głowińskiej to nie lada fenomen – obejrzało je w kinach już ponad milion widzów! Serial „Kicia Kocia” na wielkim ekranie!
Odcinki serialu, które zobaczymy w trakcie seansów:
1. Kicia Kocia na lotnisku
2. Kicia Kocia w teatrze
3. Kicia Kocia. Co z tymi śmieciami?
4. Kicia Kocia w lesie
5. Kicia Kocia na budowie
6. Kicia Kocia na afrykańskiej sawannie
7. Kicia Kocia. Hop, do góry!
Wersja językowa: polski dubbing
Kategoria wiekowa: 3+
KICIA KOCIA W PODRÓŻY, reż. Marta Stróżycka, Polska 2026, 45'
Rezolutną Kicię Kocię czeka dużo nowych przeżyć! Ukochana bohaterka książek dla dzieci zabierze widzów na afrykańską sawannę, lotnisko i budowę placu zabaw! Nie będzie jednak sama! Będą jej towarzyszyć wierni przyjaciele – Pacek, Adelka i Julianek! Wybiorą się razem na ciekawą wycieczkę do lasu, gdzie będą poznawać jego mieszkańców. Nauczą się także segregacji śmieci oraz w świetnych humorach pójdą na swój pierwszy spektakl do teatru! Czeka ich sporo dobrej zabawy! Przyłączycie się?
Filmowe opowieści na podstawie uwielbianych książek Anity Głowińskiej to nie lada fenomen – obejrzało je w kinach już ponad milion widzów! Serial „Kicia Kocia” na wielkim ekranie!
Odcinki serialu, które zobaczymy w trakcie seansów:
1. Kicia Kocia na lotnisku
2. Kicia Kocia w teatrze
3. Kicia Kocia. Co z tymi śmieciami?
4. Kicia Kocia w lesie
5. Kicia Kocia na budowie
6. Kicia Kocia na afrykańskiej sawannie
7. Kicia Kocia. Hop, do góry!
Wersja językowa: polski dubbing
Kategoria wiekowa: 3+
KICIA KOCIA W PODRÓŻY, reż. Marta Stróżycka, Polska 2026, 45'
Poranek dla dzieci: Moon: Panda i ja
Najnowszy film reżysera największych familijnych przebojów, które pokochali widzowie na całym świecie: MIA I BIAŁY LEW oraz EMMA I CZARNY JAGUAR. Tym razem twórcy zapraszają Was na pełną przygód, humoru i wzruszeń opowieść o 12-letnim chłopcu i małej pandzie, których połączyła niezwykła przyjaźń. To będzie wspaniała filmowa przygoda dla całej rodziny!
12-letni Tian z powodu słabych wyników w szkole zostaje wysłany do babci. Daleko od miasta, w tajemniczych chińskich górach, w sekrecie przed wszystkimi zaprzyjaźnia się z pandą, którą nazywa Moon. To początek niezwykłej przygody, która odmieni jego życie oraz życie jego rodziny.
Wersja językowa: polski dubbing
Kategoria wiekowa: 7+
MOON: PANDA I JA, reż. Gilles de Maistre, Francja, Belgia 2025, 100'
12-letni Tian z powodu słabych wyników w szkole zostaje wysłany do babci. Daleko od miasta, w tajemniczych chińskich górach, w sekrecie przed wszystkimi zaprzyjaźnia się z pandą, którą nazywa Moon. To początek niezwykłej przygody, która odmieni jego życie oraz życie jego rodziny.
Wersja językowa: polski dubbing
Kategoria wiekowa: 7+
MOON: PANDA I JA, reż. Gilles de Maistre, Francja, Belgia 2025, 100'
Przestrzenie Historyczne Zamku- Audioprzewodnik
Zapraszamy do zwiedzania przestrzeni historycznych z audioprzewodnikiem codziennie od 12-20. Wydawanie audioprzewodników w Punkcie Informacyjnym za kasą w godzinach 12-19.Bilety: 15 zł (u), 20 zł (n)
W czasie trwania wystawy Anny Kędziory pt. „Gabinet” (24.01‒8.03.) zamkowe przestrzenie można zwiedzać w g. 12-19. Audioprzewodniki są wydawane do g. 18 (do zwrotu do g. 19).
W czasie trwania wystawy Anny Kędziory pt. „Gabinet” (24.01‒8.03.) zamkowe przestrzenie można zwiedzać w g. 12-19. Audioprzewodniki są wydawane do g. 18 (do zwrotu do g. 19).
Przestrzenie Historyczne Zamku- Zwiedzanie
Zapraszamy do zwiedzania przestrzeni histrycznych Zamku codziennie w godzinach od 12-20
Bilety: 10 zł (n), 7 zł (u)
W czasie trwania wystawy Anny Kędziory pt. „Gabinet” (24.01‒8.03.) zamkowe przestrzenie można zwiedzać w g. 12-19.
Bilety: 10 zł (n), 7 zł (u)
W czasie trwania wystawy Anny Kędziory pt. „Gabinet” (24.01‒8.03.) zamkowe przestrzenie można zwiedzać w g. 12-19.
Short Waves Showcase: ESFAA. Program I
Short Waves Showcase 2026
European Short Film Audience Award 2025-2026
PROGRAM I
Łączny czas trwania: 88'
Pierwszy program Europejskiej Nagrody Publiczności Filmów Krótkometrażowych to cztery różnorodne opowieści z Belgii, Holandii, Finlandii oraz Francji. Zobaczymy historie bohaterów w różnych sytuacjach – od desperacko samotnej kobiety szukającej miłości, przez haft kobiecych rąk ujawniający splot traumatycznych wspomnień, po codzienne, pełne napięcia chwile w supermarkecie. Zajrzymy na stoisko rybne po zamknięciu sklepu, gdzie dojmujące oczekiwanie stanie się okazją do refleksji i krótkiej piosenki. Obserwować będziemy także rozwijającą się, zakazaną relację między dwiema kobietami, która wzbudzi zazdrość otoczenia. Program ten balansuje między powagą a lekkością, między dramatem a humorem, pokazując zarówno głębokie emocje, jak i codzienne absurdalne sytuacje.
Miłość do śmeirci / reż. Ingrid Heiderscheidt / Fabularny / Belgia / 2024 / 27’
Festiwal: Brussels Short Film Festival
Claudine szuka miłości. W wieku 45 lat wciąż pozostaje desperacko samotna, prowadzi uroczystości w krematorium jako mistrz ceremonii pogrzebowej i występuje jako mażoretka w zespole Pekettes.
Między czułością a przemocą / reż. Şirin Bahar Demirel / Dokument eksperymentalny / Turcja, Holandia / 2023 / 15’
Festiwal: Go Short
Czy w pociągnięciach pędzla malarza można dostrzec przemoc jego rąk? Czy haft krzyżykowy może być alfabetem? „Między delikatnością a przemocą” wyobraża sobie wydobywanie traumatycznych wspomnień, które nie znalazły miejsca w albumach rodzinnych.
Antologia istot morskich / reż. Veera Lamminpää / Animacja / Finlandia / 2024 / 10’
Festiwal: Tampere Film Festival
Supermarket zbliża się do zamknięcia, a ostatni klienci ustawiają się w kolejce do stoiska rybnego. To dojmujące czekanie staje się okazją do egzystencjalnych refleksji i krótkiej piosenki.
Dwie osoby wymieniające się śliną / reż. Natalie Musteata, Alexandre Singh / Fabuła / Francja, USA / 2024 / 36’
Festiwal: Clermont-Ferrand International Short Film Festival
Angine, nieszczęśliwa kobieta, kompulsywnie robi zakupy w domu towarowym. Tam fascynuje ją szczera i naiwna ekspedientka. Mimo zakazu całowania kobiety zbliżają się do siebie, wzbudzając podejrzenia zazdrosnej koleżanki.
Wersja językowa: polskie i angielskie napisy
ESFAA. PROGRAM I, 88'
European Short Film Audience Award 2025-2026
PROGRAM I
Łączny czas trwania: 88'
Pierwszy program Europejskiej Nagrody Publiczności Filmów Krótkometrażowych to cztery różnorodne opowieści z Belgii, Holandii, Finlandii oraz Francji. Zobaczymy historie bohaterów w różnych sytuacjach – od desperacko samotnej kobiety szukającej miłości, przez haft kobiecych rąk ujawniający splot traumatycznych wspomnień, po codzienne, pełne napięcia chwile w supermarkecie. Zajrzymy na stoisko rybne po zamknięciu sklepu, gdzie dojmujące oczekiwanie stanie się okazją do refleksji i krótkiej piosenki. Obserwować będziemy także rozwijającą się, zakazaną relację między dwiema kobietami, która wzbudzi zazdrość otoczenia. Program ten balansuje między powagą a lekkością, między dramatem a humorem, pokazując zarówno głębokie emocje, jak i codzienne absurdalne sytuacje.
Miłość do śmeirci / reż. Ingrid Heiderscheidt / Fabularny / Belgia / 2024 / 27’
Festiwal: Brussels Short Film Festival
Claudine szuka miłości. W wieku 45 lat wciąż pozostaje desperacko samotna, prowadzi uroczystości w krematorium jako mistrz ceremonii pogrzebowej i występuje jako mażoretka w zespole Pekettes.
Między czułością a przemocą / reż. Şirin Bahar Demirel / Dokument eksperymentalny / Turcja, Holandia / 2023 / 15’
Festiwal: Go Short
Czy w pociągnięciach pędzla malarza można dostrzec przemoc jego rąk? Czy haft krzyżykowy może być alfabetem? „Między delikatnością a przemocą” wyobraża sobie wydobywanie traumatycznych wspomnień, które nie znalazły miejsca w albumach rodzinnych.
Antologia istot morskich / reż. Veera Lamminpää / Animacja / Finlandia / 2024 / 10’
Festiwal: Tampere Film Festival
Supermarket zbliża się do zamknięcia, a ostatni klienci ustawiają się w kolejce do stoiska rybnego. To dojmujące czekanie staje się okazją do egzystencjalnych refleksji i krótkiej piosenki.
Dwie osoby wymieniające się śliną / reż. Natalie Musteata, Alexandre Singh / Fabuła / Francja, USA / 2024 / 36’
Festiwal: Clermont-Ferrand International Short Film Festival
Angine, nieszczęśliwa kobieta, kompulsywnie robi zakupy w domu towarowym. Tam fascynuje ją szczera i naiwna ekspedientka. Mimo zakazu całowania kobiety zbliżają się do siebie, wzbudzając podejrzenia zazdrosnej koleżanki.
Wersja językowa: polskie i angielskie napisy
ESFAA. PROGRAM I, 88'
Short Waves Showcase: ESFAA. Program II
Short Waves Showcase 2026
European Short Film Audience Award 2025-2026
PROGRAM II
Łączny czas trwania: 79 minut
Drugi program Europejskiej Nagrody Publiczności Filmów Krótkometrażowych to cztery opowieści z Hiszpanii, Niemiec, Polski oraz Portugalii. Trzy z nich mierzą się z różnymi obliczami przemocy domowej – od siostrzanych relacji po wspomnienia sprzed dekad i futurystyczne wizje przedstawione w konwencji sitcomu. Zobaczymy historie, w których bohaterowie starają się odnaleźć drogę do czułości i zrozumienia wobec przemocy, która ich otacza, oraz opowieści ujawniające niewidzialne aspekty codziennego życia ofiar. Po tych mocnych historiach program zamyka „Percebes” – wizualna podróż do nadmorskiego Algarve, która staje się kontemplacyjnym kontrapunktem, dając widzom oddech i pozwalając spojrzeć na codzienną rzeczywistość z innej perspektywy.
Na zdrowie / reż. Lucia G. Romero / Fabularny / Hiszpania / 2024 / 18’
Festiwal: ALCINE – Festival de Cine de Alcalà de Henares
Jessica i Alma, dwie siostry doświadczające przemocy domowej, podczas jednej z rutynowych wizyt w punkcie wydawania bonów żywnościowych w noc święta San Juan zaczną okazywać sobie miłość zamiast przemocy.
Rose / reż. Annika Mayer / Dokument / Niemcy / 2024 / 19’
Festiwal: INTERFILM International Short Film Fesival Berlin
Historia rodziny z lat 60., uchwycona na taśmie Super8, zestawiona z opowieściami o brutalnym mężu, wspominanymi po pięćdziesięciu latach. Film o niewidzialności przemocy domowej.
My Secret Cyberlove / reż. Bartosz Stankiewicz / Fikcja / Polska / 2024 / 30’
Festiwal: Short Waves Festival
Robert jest w związku z seks robotem i wraz z matką prowadzi cukiernię. Kiedy piekarnik do ciasta się psuje, jego toksyczny ojciec wraca, aby go naprawić. Obecność ojca wystawia na próbę miłość Roberta do robota.
Percebes / reż. Alexandra Ramires, Laura Gonçalves / Animacja / Portugalia, Francja / 2024 / 12’
Festiwal: Curtas Vila do Conde International Film Festival
Na tle morskiego i miejskiego krajobrazu Algarve obserwujemy pełen cykl życia wyjątkowego skorupiaka – pąkla kaczenicy (percebes). Od jego powstania aż po trafienie na talerz, towarzyszymy podróży przez różne konteksty, które pozwalają nam lepiej zrozumieć ten region i ludzi, którzy w nim żyją.
Wersja językowa: polskie i angielskie napisy
ESFAA. PROGRAM II, 79'
European Short Film Audience Award 2025-2026
PROGRAM II
Łączny czas trwania: 79 minut
Drugi program Europejskiej Nagrody Publiczności Filmów Krótkometrażowych to cztery opowieści z Hiszpanii, Niemiec, Polski oraz Portugalii. Trzy z nich mierzą się z różnymi obliczami przemocy domowej – od siostrzanych relacji po wspomnienia sprzed dekad i futurystyczne wizje przedstawione w konwencji sitcomu. Zobaczymy historie, w których bohaterowie starają się odnaleźć drogę do czułości i zrozumienia wobec przemocy, która ich otacza, oraz opowieści ujawniające niewidzialne aspekty codziennego życia ofiar. Po tych mocnych historiach program zamyka „Percebes” – wizualna podróż do nadmorskiego Algarve, która staje się kontemplacyjnym kontrapunktem, dając widzom oddech i pozwalając spojrzeć na codzienną rzeczywistość z innej perspektywy.
Na zdrowie / reż. Lucia G. Romero / Fabularny / Hiszpania / 2024 / 18’
Festiwal: ALCINE – Festival de Cine de Alcalà de Henares
Jessica i Alma, dwie siostry doświadczające przemocy domowej, podczas jednej z rutynowych wizyt w punkcie wydawania bonów żywnościowych w noc święta San Juan zaczną okazywać sobie miłość zamiast przemocy.
Rose / reż. Annika Mayer / Dokument / Niemcy / 2024 / 19’
Festiwal: INTERFILM International Short Film Fesival Berlin
Historia rodziny z lat 60., uchwycona na taśmie Super8, zestawiona z opowieściami o brutalnym mężu, wspominanymi po pięćdziesięciu latach. Film o niewidzialności przemocy domowej.
My Secret Cyberlove / reż. Bartosz Stankiewicz / Fikcja / Polska / 2024 / 30’
Festiwal: Short Waves Festival
Robert jest w związku z seks robotem i wraz z matką prowadzi cukiernię. Kiedy piekarnik do ciasta się psuje, jego toksyczny ojciec wraca, aby go naprawić. Obecność ojca wystawia na próbę miłość Roberta do robota.
Percebes / reż. Alexandra Ramires, Laura Gonçalves / Animacja / Portugalia, Francja / 2024 / 12’
Festiwal: Curtas Vila do Conde International Film Festival
Na tle morskiego i miejskiego krajobrazu Algarve obserwujemy pełen cykl życia wyjątkowego skorupiaka – pąkla kaczenicy (percebes). Od jego powstania aż po trafienie na talerz, towarzyszymy podróży przez różne konteksty, które pozwalają nam lepiej zrozumieć ten region i ludzi, którzy w nim żyją.
Wersja językowa: polskie i angielskie napisy
ESFAA. PROGRAM II, 79'
Spektakl „Amoroso”, reż. Janusz Orlik / TEATR KLUCZ im. W. Deneki
19.03.2026 | g. 19 |Sala Wielka
Spektakl „Amoroso”, reż. Janusz Orlik / TEATR KLUCZ im. W. Deneki
„Staraj się zatem serce własne odrywać od umiłowania tego, co widzialne, a samego siebie ku temu, co niewidzialne, kieruj” (Tomasz à Kempis)
Jeden z najważniejszych spektakli sezonu 2024/25 (wg. miesięcznika Teatr) powraca na swą rodzimą scenę, czyli do Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu!
„Amoroso” Teatru Klucz to szczere i intymne dzieło, w którym artyści(-stki) opowiadają historię miłości w jej różnych formach. Robią to bezustannie, z oddaniem i bez wyrzutów sumienia. Do końca. Bez końca.
„Amoroso” jest dla kochających i kochanych, dla szczęśliwych i spełnionych. Dla zagubionych i porzuconych.
Ta prowokująca do myślenia produkcja zadaje pytanie: Co tak naprawdę miłość oznacza dla Ciebie? Czy kochasz szczerze? Czy w ogóle chcesz kochać? Co jesteś w stanie poświęcić dla miłości? Na scenie zobaczymy całe spektrum ludzkich stanów emocjonalnych i zachowań odzwierciedlających różne oblicza miłości.
Poetycki, oniryczny, niespieszny spektakl łączący różne środki ekspresji scenicznej, ze szczególnym uwzględnieniem tańca, ruchu scenicznego i improwizacji. Niewielkie partie tekstu mówionego tłumaczone będą na polski język migowy. Całości towarzyszyć będzie audiodeskrypcja.
Choreografia Amoroso powstała w wyniku wspólnej pracy zespołu Teatru Klucz i jego opiekuna artystycznego, Janusza Orlika (www.januszorlik.com).
reżyseria, scenografia, opracowanie muzyczne: Janusz Orlik
choreografia: Janusz Orlik z zespołem Teatru Klucz
asystent reżysera: Antek Kurjata
obsada: Mariusz Józefiak, Jarosław Kubiak, Antek Kurjata, Daniel Laskowski, Lidia Piskorska, Piotr Roszak, Karol Solski, Magdalena Szalbierz, Arkadiusz Żmijewski
kostiumy: Agnieszka Ostrowska
reżyseria świateł: Arkadiusz Kuczyński, Janusz Orlik
interpretacja w PJM: Karina Akseńczuk
audiodeskrypcja: Marcin Głowiński
produkcja: Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu
premiera: 28.11.2024
Spektakl wyprodukowany przez Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu w ramach projektu Europe Beyond Access, dzięki grantowi z programu Kreatywna Europa.
Spektakl „Amoroso”, reż. Janusz Orlik / TEATR KLUCZ im. W. Deneki
„Staraj się zatem serce własne odrywać od umiłowania tego, co widzialne, a samego siebie ku temu, co niewidzialne, kieruj” (Tomasz à Kempis)
Jeden z najważniejszych spektakli sezonu 2024/25 (wg. miesięcznika Teatr) powraca na swą rodzimą scenę, czyli do Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu!
„Amoroso” Teatru Klucz to szczere i intymne dzieło, w którym artyści(-stki) opowiadają historię miłości w jej różnych formach. Robią to bezustannie, z oddaniem i bez wyrzutów sumienia. Do końca. Bez końca.
„Amoroso” jest dla kochających i kochanych, dla szczęśliwych i spełnionych. Dla zagubionych i porzuconych.
Ta prowokująca do myślenia produkcja zadaje pytanie: Co tak naprawdę miłość oznacza dla Ciebie? Czy kochasz szczerze? Czy w ogóle chcesz kochać? Co jesteś w stanie poświęcić dla miłości? Na scenie zobaczymy całe spektrum ludzkich stanów emocjonalnych i zachowań odzwierciedlających różne oblicza miłości.
Poetycki, oniryczny, niespieszny spektakl łączący różne środki ekspresji scenicznej, ze szczególnym uwzględnieniem tańca, ruchu scenicznego i improwizacji. Niewielkie partie tekstu mówionego tłumaczone będą na polski język migowy. Całości towarzyszyć będzie audiodeskrypcja.
Choreografia Amoroso powstała w wyniku wspólnej pracy zespołu Teatru Klucz i jego opiekuna artystycznego, Janusza Orlika (www.januszorlik.com).
reżyseria, scenografia, opracowanie muzyczne: Janusz Orlik
choreografia: Janusz Orlik z zespołem Teatru Klucz
asystent reżysera: Antek Kurjata
obsada: Mariusz Józefiak, Jarosław Kubiak, Antek Kurjata, Daniel Laskowski, Lidia Piskorska, Piotr Roszak, Karol Solski, Magdalena Szalbierz, Arkadiusz Żmijewski
kostiumy: Agnieszka Ostrowska
reżyseria świateł: Arkadiusz Kuczyński, Janusz Orlik
interpretacja w PJM: Karina Akseńczuk
audiodeskrypcja: Marcin Głowiński
produkcja: Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu
premiera: 28.11.2024
Spektakl wyprodukowany przez Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu w ramach projektu Europe Beyond Access, dzięki grantowi z programu Kreatywna Europa.
Spięty – koncert promujący nową płytę
Spięty – koncert promujący nową płytę
Sala Wielka
14.03.2026, g. 19
bilety: I pula - 100 zł (do 31.12.2025), II pula - 110 zł (do 13.03.2026), w dniu koncertu 130 zł / miejsca stojące i siedzące nienumerowane (ilość miejsc siedzących ograniczona) / bilety dostępne online i w kasie CK ZAMEK
14 marca zapraszamy do Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu na koncert Spiętego, promujący jego nową płytę, która ukaże się na początku 2026 roku.
Po bardzo dobrze przyjętym albumie „Heartcore” przyszedł czas na kolejne wydawnictwo, nad którym Hubert Dobaczewski pracuje od końca 2024 roku. Na razie artysta nie zdradził jego tytułu.
Singiel „Blue” promujący poprzednią płytę utrzymywał się nieprzerwanie na 1 miejscu listy przebojów RADIA 357 przez 21 tygodni, a także był TOP10 przez przeszło 90 tygodni.
Spięty / Hubert Dobaczewski – gitarzysta, autor tekstów, a przede wszystkim charyzmatyczny lider zespołu SPIĘTY, który od kilku lat z powodzeniem rozwija swój solowy projekt. Poza projektem Spięty znany jest z takich zespołów jak Lao Che czy Koli.
Zespól koncertuje w składzie:
Spięty − wokal, gitara
Bartek Kapsa − perkusja, sampler
Emil Wojtczak – bas
Patryk Kraśniewski − klawisze
Sala Wielka
14.03.2026, g. 19
bilety: I pula - 100 zł (do 31.12.2025), II pula - 110 zł (do 13.03.2026), w dniu koncertu 130 zł / miejsca stojące i siedzące nienumerowane (ilość miejsc siedzących ograniczona) / bilety dostępne online i w kasie CK ZAMEK
14 marca zapraszamy do Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu na koncert Spiętego, promujący jego nową płytę, która ukaże się na początku 2026 roku.
Po bardzo dobrze przyjętym albumie „Heartcore” przyszedł czas na kolejne wydawnictwo, nad którym Hubert Dobaczewski pracuje od końca 2024 roku. Na razie artysta nie zdradził jego tytułu.
Singiel „Blue” promujący poprzednią płytę utrzymywał się nieprzerwanie na 1 miejscu listy przebojów RADIA 357 przez 21 tygodni, a także był TOP10 przez przeszło 90 tygodni.
Spięty / Hubert Dobaczewski – gitarzysta, autor tekstów, a przede wszystkim charyzmatyczny lider zespołu SPIĘTY, który od kilku lat z powodzeniem rozwija swój solowy projekt. Poza projektem Spięty znany jest z takich zespołów jak Lao Che czy Koli.
Zespól koncertuje w składzie:
Spięty − wokal, gitara
Bartek Kapsa − perkusja, sampler
Emil Wojtczak – bas
Patryk Kraśniewski − klawisze
Spięty – koncert promujący nową płytę | DODATKOWY TERMIN!
Spięty – koncert promujący nową płytę | DODATKOWY TERMIN!
Sala Wielka
13.03.2026, g. 19
bilety:110 zł (przedsprzedaż), w dniu koncertu 130 zł / miejsca stojące i siedzące nienumerowane (ilość miejsc siedzących ograniczona) / bilety dostępne online i w kasie CK ZAMEK
13 marca zapraszamy do Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu na koncert Spiętego (DODATKOWY TERMIN!), promujący jego nową płytę, która ukaże się na początku 2026 roku Po bardzo dobrze przyjętym albumie „Heartcore” przyszedł czas na kolejne wydawnictwo, nad którym Hubert Dobaczewski pracuje od końca 2024 roku. Na razie artysta nie zdradził jego tytułu. Singiel „Blue” promujący poprzednią płytę utrzymywał się nieprzerwanie na 1 miejscu listy przebojów RADIA 357 przez 21 tygodni, a także był TOP10 przez przeszło 90 tygodni.
Spięty / Hubert Dobaczewski – gitarzysta, autor tekstów, a przede wszystkim charyzmatyczny lider zespołu SPIĘTY, który od kilku lat z powodzeniem rozwija swój solowy projekt. Poza projektem Spięty znany jest z takich zespołów jak Lao Che czy Koli.
Zespól koncertuje w składzie:
Spięty − wokal, gitara
Bartek Kapsa − perkusja, sampler
Emil Wojtczak – bas
Patryk Kraśniewski − klawisze
Sala Wielka
13.03.2026, g. 19
bilety:110 zł (przedsprzedaż), w dniu koncertu 130 zł / miejsca stojące i siedzące nienumerowane (ilość miejsc siedzących ograniczona) / bilety dostępne online i w kasie CK ZAMEK
13 marca zapraszamy do Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu na koncert Spiętego (DODATKOWY TERMIN!), promujący jego nową płytę, która ukaże się na początku 2026 roku Po bardzo dobrze przyjętym albumie „Heartcore” przyszedł czas na kolejne wydawnictwo, nad którym Hubert Dobaczewski pracuje od końca 2024 roku. Na razie artysta nie zdradził jego tytułu. Singiel „Blue” promujący poprzednią płytę utrzymywał się nieprzerwanie na 1 miejscu listy przebojów RADIA 357 przez 21 tygodni, a także był TOP10 przez przeszło 90 tygodni.
Spięty / Hubert Dobaczewski – gitarzysta, autor tekstów, a przede wszystkim charyzmatyczny lider zespołu SPIĘTY, który od kilku lat z powodzeniem rozwija swój solowy projekt. Poza projektem Spięty znany jest z takich zespołów jak Lao Che czy Koli.
Zespól koncertuje w składzie:
Spięty − wokal, gitara
Bartek Kapsa − perkusja, sampler
Emil Wojtczak – bas
Patryk Kraśniewski − klawisze
STREFA ZABAWY „Kwiaty” – warsztaty plastyczne dla dzieci
Zanim zakwitną kwiaty, my już będziemy je mieć. Z kolorowej krepy stworzymy wiosenne kwiaty pełne kolorów, które umieścimy w wazonach z czerpanego papieru.
Dzieci pozostają pod opieką prowadzącej.
prowadzenie: Magdalena Bryl
czas trwania: 45’
wiek: 3‒5 lat
liczba miejsc ograniczona
Dzieci pozostają pod opieką prowadzącej.
prowadzenie: Magdalena Bryl
czas trwania: 45’
wiek: 3‒5 lat
liczba miejsc ograniczona
STREFA ZABAWY „Motyle” – warsztaty ceramiczne dla dzieci
Wiosna za pasem i już budzą się owady. Wypatrujemy kolorowych motyli. Ulepimy z gliny te piękne stworzonka, by przywołać wiosnę jak najwcześniej!
Dzieci pozostają pod opieką prowadzącej.
prowadzenie: Dorota Piekarczyk
czas trwania: 45’
wiek: 3‒5 lat
liczba miejsc ograniczona
Dzieci pozostają pod opieką prowadzącej.
prowadzenie: Dorota Piekarczyk
czas trwania: 45’
wiek: 3‒5 lat
liczba miejsc ograniczona
STREFA ZABAWY „Piraci” ‒ warsztaty tańca kreatywnego dla dzieci
Zapraszamy na pełną ruchu i wyobraźni piracką wyprawę taneczną. Wspólnie wejdziemy na zaczarowany statek piratów i wyruszymy w rejs po dalekich morzach. Zamienimy nasze ciała w kołyszące się fale, zajrzymy w morskie głębiny, spotkamy pirackich towarzyszy i morskie stworzenia, zatańczymy w rytmie muzycznego sztormu i przeżyjemy niejedną morską przygodę. Na końcu naszej podróży odnajdziemy piracki skarb, który ukryjemy na tajemniczej wyspie, znanej tylko prawdziwym piratom.
Zabierz wygodne buty na zmianę, załóż krótki rękaw, spakuj wodę do picia.
prowadzenie: Aleksandra Pasicka
czas trwania: 45’
wiek: 3‒5 lat
liczba miejsc ograniczona
Zabierz wygodne buty na zmianę, załóż krótki rękaw, spakuj wodę do picia.
prowadzenie: Aleksandra Pasicka
czas trwania: 45’
wiek: 3‒5 lat
liczba miejsc ograniczona
ŚPIEWNIK KOMEDY - Magdalena Kumorek & Tubis Trio
Magdalena Kumorek & Maciej Tubis Trio – Śpiewnik Komedy
26 kwietnia 2026, godz.19.oo – CK Zamek Poznań
Realizowany od 2015 roku cykl CZAS KOMEDY staje się samodzielnym projektem prezentującym geniusz muzyki Krzysztofa Komedy. To najważniejszy w Poznaniu element honorowania postaci oraz muzyki wybitnego i kultowego polskiego artysty. Wśród nieszablonowych koncertów przedstawiono muzykę Krzysztofa Komedy w interpretacji m.in. Espen Eriksen Trio (Norwegia), Dani Perez Trio (Hiszpania), Radio String Quartet (Austria) oraz autorskie projekty Weezdob Collective, Dawida Tokłowicza, Piotra Schmidta, Jana Ptaszyna Wróblewskiego, Gritt Ensemble, trio Andrzeja Jagodzińskiego, węgierskiego Bence Vas Trio oraz premierę spektaklu muzycznego "Komeda: Nim wstanie dzień". Wydarzeniom towarzyszyły liczne wydawnictwa płytowe oraz publikacje. Tym razem poznańską premierę będzie miał muzyczny spektakl „Komeda: Perspektywa Nowa” przedstawiający Śpiewnik Komedy.
„To muzyczne spotkanie trio pianisty Macieja Tubisa i aktorki-wokalistki Magdaleny Kumorek – rekomenduje koncert Dionizy Piątkowski twórca Ery Jazzu i autor biografii „Czas Komedy” oraz dyskografii „Komeda on records”. Niepowtarzalne, pełne emocji brzmienie Tubis Trio, doskonała estradowa elokwencja i talent wokalny Magdaleny Kumorek sprawiają, że muzyka Komedy nabiera nowych wartości oraz estetycznych odniesień. Niebanalna forma, brzmienie i nastrój koncertu oraz kultowe teksty Agnieszki Osieckiej i Wojciecha Młynarskiego odkrywają piosenki Komedy w nowej, współczesnej rzeczywistości. Magdalena Kumorek - znana z filmów „Poranek kojota”, „Układ zamknięty” oraz serialu „Przepis na życie” - wnosi swoją osobowością wrażliwość na synergię słowa i melodii w piosenkach Komedy. Uwodzi publiczność niezwykłym, osobistym oraz pełnym emocji autorskim projektem. Realizacja tak wysublimowanego pomysłu możliwa była jedynie w udziałem utalentowanego pianisty, który w komedowskiej estetyce, melodii oraz wrażliwości odnajduje się najpełniej. Repertuar Krzysztofa Komedy jest u Macieja Tubisa probierzem elegancji, wrażliwości, subtelnej estetyki i niezwykle precyzyjniej elokwencji pianisty”.
Krzysztof Komeda kojarzony jest zazwyczaj z muzyką filmową oraz kilkoma – pochodzącymi głównie z filmów – piosenkami. Wiele z nich, jak „Nim wstanie dzień” – Edmunda Fettinga, „Ja nie chcę spać”- Kaliny Jędrusik czy liczne wersje kołysanki „Rosemary’s Baby” stały się wielkimi, kultowymi przebojami. Program „Komeda: Perspektywa Nowa” jest zgrabnym zestawem estetyki kompozycji Krzysztofa Komedy, jej melodyjnej i romantycznej barwy oraz kanonu popularnych i kultowych piosenek: od „Ja nie chcę spać”, „Każdy szafę ma” po „Szarą kolędę”, „Nim wstanie dzień” oraz słynną „Kołysanka Rosemary” z filmu „Rosemary’s Baby” Romana Polańskiego.
Partnerem projektu CZAS KOMEDY jest Samorząd Województwa Wielkopolskiego, Almatur Poznań oraz CK Zamek. Kuratorem cyklu jest Dionizy Piątkowski – twórca Ery Jazzu, autor biografii „Czas Komedy” oraz dyskografii „Komeda on records”.
Bilety (140,-/miejsca siedzące nienumerowane)
https://www.bilety24.pl/kup-bilet-na-812-spiewnik-komedy-magdalena-kumorek-tubis-trio-147183?id=873495#overall
Bilety24, CIM, CK Zamek
Więcej: www.jazz.pl
26 kwietnia 2026, godz.19.oo – CK Zamek Poznań
Realizowany od 2015 roku cykl CZAS KOMEDY staje się samodzielnym projektem prezentującym geniusz muzyki Krzysztofa Komedy. To najważniejszy w Poznaniu element honorowania postaci oraz muzyki wybitnego i kultowego polskiego artysty. Wśród nieszablonowych koncertów przedstawiono muzykę Krzysztofa Komedy w interpretacji m.in. Espen Eriksen Trio (Norwegia), Dani Perez Trio (Hiszpania), Radio String Quartet (Austria) oraz autorskie projekty Weezdob Collective, Dawida Tokłowicza, Piotra Schmidta, Jana Ptaszyna Wróblewskiego, Gritt Ensemble, trio Andrzeja Jagodzińskiego, węgierskiego Bence Vas Trio oraz premierę spektaklu muzycznego "Komeda: Nim wstanie dzień". Wydarzeniom towarzyszyły liczne wydawnictwa płytowe oraz publikacje. Tym razem poznańską premierę będzie miał muzyczny spektakl „Komeda: Perspektywa Nowa” przedstawiający Śpiewnik Komedy.
„To muzyczne spotkanie trio pianisty Macieja Tubisa i aktorki-wokalistki Magdaleny Kumorek – rekomenduje koncert Dionizy Piątkowski twórca Ery Jazzu i autor biografii „Czas Komedy” oraz dyskografii „Komeda on records”. Niepowtarzalne, pełne emocji brzmienie Tubis Trio, doskonała estradowa elokwencja i talent wokalny Magdaleny Kumorek sprawiają, że muzyka Komedy nabiera nowych wartości oraz estetycznych odniesień. Niebanalna forma, brzmienie i nastrój koncertu oraz kultowe teksty Agnieszki Osieckiej i Wojciecha Młynarskiego odkrywają piosenki Komedy w nowej, współczesnej rzeczywistości. Magdalena Kumorek - znana z filmów „Poranek kojota”, „Układ zamknięty” oraz serialu „Przepis na życie” - wnosi swoją osobowością wrażliwość na synergię słowa i melodii w piosenkach Komedy. Uwodzi publiczność niezwykłym, osobistym oraz pełnym emocji autorskim projektem. Realizacja tak wysublimowanego pomysłu możliwa była jedynie w udziałem utalentowanego pianisty, który w komedowskiej estetyce, melodii oraz wrażliwości odnajduje się najpełniej. Repertuar Krzysztofa Komedy jest u Macieja Tubisa probierzem elegancji, wrażliwości, subtelnej estetyki i niezwykle precyzyjniej elokwencji pianisty”.
Krzysztof Komeda kojarzony jest zazwyczaj z muzyką filmową oraz kilkoma – pochodzącymi głównie z filmów – piosenkami. Wiele z nich, jak „Nim wstanie dzień” – Edmunda Fettinga, „Ja nie chcę spać”- Kaliny Jędrusik czy liczne wersje kołysanki „Rosemary’s Baby” stały się wielkimi, kultowymi przebojami. Program „Komeda: Perspektywa Nowa” jest zgrabnym zestawem estetyki kompozycji Krzysztofa Komedy, jej melodyjnej i romantycznej barwy oraz kanonu popularnych i kultowych piosenek: od „Ja nie chcę spać”, „Każdy szafę ma” po „Szarą kolędę”, „Nim wstanie dzień” oraz słynną „Kołysanka Rosemary” z filmu „Rosemary’s Baby” Romana Polańskiego.
Partnerem projektu CZAS KOMEDY jest Samorząd Województwa Wielkopolskiego, Almatur Poznań oraz CK Zamek. Kuratorem cyklu jest Dionizy Piątkowski – twórca Ery Jazzu, autor biografii „Czas Komedy” oraz dyskografii „Komeda on records”.
Bilety (140,-/miejsca siedzące nienumerowane)
https://www.bilety24.pl/kup-bilet-na-812-spiewnik-komedy-magdalena-kumorek-tubis-trio-147183?id=873495#overall
Bilety24, CIM, CK Zamek
Więcej: www.jazz.pl
To był zwykły przypadek
Zaczyna się od tytułowego przypadku. Awaria samochodu w trakcie powrotu do domu sprawia, że małżeństwo z kilkuletnią córką musi podjechać do przydrożnego warsztatu. Trafia tam na dwóch mechaników, z których jeden oferuje pomoc. Drugim jest Vahid, przyglądający się wszystkiemu z pewnego dystansu. Mężczyzna jest byłym więźniem politycznym zatrzymanym w wyniku antyrządowych protestów. Tortury, jakim został poddany w trakcie przesłuchania, odbiły się poważnie na jego zdrowiu, doprowadzając do tego, że każdy krok sprawia mu ból. W niespodziewanym gościu Vahid rozpoznaje swojego oprawcę, komisarza irańskiej policji, zwanego przez więźniów Kuternogą. W akcie zemsty decyduje się go porwać, licząc, że przyniesie mu to ukojenie. Najpierw jednak będzie musiał skonfrontować się ze swoimi wątpliwościami, począwszy od tego, czy to aby na pewno właściwy człowiek, po dylemat, czy zemsta jest odpowiednią formą zadośćuczynienia.
Język: perski z polskimi napisami
TO BYŁ ZWYKŁY PRZYPADEK, reż. Jafar Panahi, Iran, Francja, Luksemburg 2025, 102'
Język: perski z polskimi napisami
TO BYŁ ZWYKŁY PRZYPADEK, reż. Jafar Panahi, Iran, Francja, Luksemburg 2025, 102'
WAJDA: re-wizje. Popiół i diament
WAJDA: re-wizje. Popiół i diament
Jeden z najsłynniejszych filmów kina polskiego. Historia młodego akowca rozdartego między obowiązkiem a pragnieniem normalnego życia, łączący romantyczny etos z dramatem „żołnierzy wyklętych”.
Ostatnie dni II wojny światowej. Młody akowiec, Maciek Chełmicki, musi wykonać jeszcze jeden rozkaz – zastrzelić komunistycznego aparatczyka, który przybył do prowincjonalnego miasteczka, by przejąć władzę. Z upływem godzin bohater widzi coraz mniejszy sens ciągłej walki, nawiązuje romans z barmanką miejscowego hotelu i staje się świadkiem zabawy przedwojennego establishmentu, celebrującego koniec starych czasów. Maciek, po czasach wojny, chce przede wszystkim żyć i kochać, ale wciąż musi walczyć, pamiętać o poległych i poświęcać własne życie.
Powstała w okresie „Odwilży” adaptacja powieści Jerzego Andrzejewskiego zmieniła napięcia i nastroje stalinowskiego pierwowzoru. Andrzejewski traktował swą książkę jako próbę przerzucenia mostów między skłóconymi częściami narodu polskiego, a ofiarę głównych bohaterów uznawał za ostatnią konieczną, po której należało już złożyć broń i zająć się odbudową ojczyzny. Na Jałtę wpływy mieć przecież nie możemy. Kilka lat po publikacji książki mało kto wierzył w ten rodzaj naiwności. Stalinizm okazał się brutalną rozprawą z opozycją, czasem sądowych mordów, kłamstwa, propagandy i bezimiennych mogił. W aktualizacji powieści pomógł Wajdzie Zbigniew Cybulski, którego nowoczesna, przywodząca na myśl techniki Jamesa Deana rola stała się w historii polskiej kultury nieprzebrzmiałym mitem.
Twórcy filmu zdawali sobie sprawę, że wiele wątków trafi na opór cenzury, łatwiej więc będzie posłużyć się niedopowiedzeniem i metaforą – jak w scenie podpalania kieliszków wódki (w istocie będących zniczami upamiętniającymi zabitych w czasie wojny i w okresie stalinizmu żołnierzy AK, którym nikt przed 1958 roku hołdu nie złożył), scena w zrujnowanym kościele z wiszącym do góry nogami Chrystusem, a także finałowe ujęcia na wysypisku śmieci, które zostały odebrane przez widzów jako dowód braku szacunku władz za ofiarę tysięcy młodych bojowników o niepodległość – wyrzuconych na śmietnik historii. Tożsamość i los Maćka wpisywały się tym samym zarówno w konteksty polskiego romantyzmu (tytuł filmu pochodzi z wiersza Norwida), jak i popaździernikowych wartości, a film po dziś dzień jest najwybitniejszym opisem losu „żołnierzy wyklętych”.
Język: polski z angielskimi napisami
POPIÓŁ I DIAMENT, reż. Andrzej Wajda, Polska 1958, 103'
Jeden z najsłynniejszych filmów kina polskiego. Historia młodego akowca rozdartego między obowiązkiem a pragnieniem normalnego życia, łączący romantyczny etos z dramatem „żołnierzy wyklętych”.
Ostatnie dni II wojny światowej. Młody akowiec, Maciek Chełmicki, musi wykonać jeszcze jeden rozkaz – zastrzelić komunistycznego aparatczyka, który przybył do prowincjonalnego miasteczka, by przejąć władzę. Z upływem godzin bohater widzi coraz mniejszy sens ciągłej walki, nawiązuje romans z barmanką miejscowego hotelu i staje się świadkiem zabawy przedwojennego establishmentu, celebrującego koniec starych czasów. Maciek, po czasach wojny, chce przede wszystkim żyć i kochać, ale wciąż musi walczyć, pamiętać o poległych i poświęcać własne życie.
Powstała w okresie „Odwilży” adaptacja powieści Jerzego Andrzejewskiego zmieniła napięcia i nastroje stalinowskiego pierwowzoru. Andrzejewski traktował swą książkę jako próbę przerzucenia mostów między skłóconymi częściami narodu polskiego, a ofiarę głównych bohaterów uznawał za ostatnią konieczną, po której należało już złożyć broń i zająć się odbudową ojczyzny. Na Jałtę wpływy mieć przecież nie możemy. Kilka lat po publikacji książki mało kto wierzył w ten rodzaj naiwności. Stalinizm okazał się brutalną rozprawą z opozycją, czasem sądowych mordów, kłamstwa, propagandy i bezimiennych mogił. W aktualizacji powieści pomógł Wajdzie Zbigniew Cybulski, którego nowoczesna, przywodząca na myśl techniki Jamesa Deana rola stała się w historii polskiej kultury nieprzebrzmiałym mitem.
Twórcy filmu zdawali sobie sprawę, że wiele wątków trafi na opór cenzury, łatwiej więc będzie posłużyć się niedopowiedzeniem i metaforą – jak w scenie podpalania kieliszków wódki (w istocie będących zniczami upamiętniającymi zabitych w czasie wojny i w okresie stalinizmu żołnierzy AK, którym nikt przed 1958 roku hołdu nie złożył), scena w zrujnowanym kościele z wiszącym do góry nogami Chrystusem, a także finałowe ujęcia na wysypisku śmieci, które zostały odebrane przez widzów jako dowód braku szacunku władz za ofiarę tysięcy młodych bojowników o niepodległość – wyrzuconych na śmietnik historii. Tożsamość i los Maćka wpisywały się tym samym zarówno w konteksty polskiego romantyzmu (tytuł filmu pochodzi z wiersza Norwida), jak i popaździernikowych wartości, a film po dziś dzień jest najwybitniejszym opisem losu „żołnierzy wyklętych”.
Język: polski z angielskimi napisami
POPIÓŁ I DIAMENT, reż. Andrzej Wajda, Polska 1958, 103'
WAJDA: re-wizje. Wesele
WAJDA: re-wizje
WAJDA: re-visions
Olśniewająca plastycznie, dźwiękowo i narracyjnie adaptacja dramatu Wyspiańskiego, modernistyczne widowisko udowadniające uniwersalność polskich symboli i siłę rodzimego języka kina.
Portret polskiej inteligencji i chłopstwa końca XIX wieku, których przedstawiciele spotykają się na weselu w bronowickiej chacie. Na ślub literata i mieszczucha (Pana Młodego) z chłopką z Bronowic (Panną Młodą) przybywają goście z dwóch środowisk: inteligencji krakowskiej i lokalnego chłopstwa. W trakcie suto zakrapianej nocy poszczególne postaci – m.in. Dziennikarz, Poeta, Gospodarz i Czepiec – spotykają symboliczne zjawy, które konfrontują ich z konkretnymi postawami, lękami i niespełnionymi aspiracjami narodowymi. Brak porozumienia między klasami, nieprzepracowane traumy historyczne uniemożliwiają jednak jakiekolwiek porozumienie – nawet jeśli tajemniczy Wernyhora, wręczając Złoty Róg, daje uczestnikom wesela szansę na zainicjowanie narodowowyzwoleńczego buntu.
Legendarny dramat Stanisława Wyspiańskiego wydawał się niemożliwy do przeniesienia na ekran. Wajda był jednak u szczytu mocy twórczych, do realizacji filmu zaprosił najwybitniejszych artystów z różnych dziedzin (za akustykę odpowiadali: Czesław Niemen, Eugeniusz Rudnik i Stanisław Radwan), zaangażował najlepszych aktorów polskich teatrów, wnętrze chaty zbudował w studio w Warszawie, a plenery nagrał w Krakowie i Bronowicach. Filmowi nadał niezwykłą energię obrazu, każąc Witoldowi Sobocińskiemu prowadzić kamerę w rytm muzyki granej na planie zdjęciowym. Stworzył imponującą feerię barw i dźwięków, genialnego rytmu, choreografii i dynamiki. Mało który film zasłużył na Oscara za montaż jak Wesele właśnie.
Ten pierwszy z filmów zrealizowanych w Zespole Filmowym „X” nasycony jest malarskimi cytatami i onirycznymi alegoriami, aktualizowanymi o symbole wciąż żywe dla polskiej świadomości lat 70. XX wieku. Nikt nie wierzył, że możliwa jest adaptacja Wesela Wyspiańskiego, a tymczasem to właśnie ten film, arcydzieło modernizmu, mimo tak gęstej narracji i arcypolskich odwołań, stało się dowodem uniwersalności języka Wajdy i żywotności polskiej kultury doby kontestacji.
ENG:
A portrait of the Polish intelligentsia and peasantry at the end of the nineteenth century, brought together at a wedding in a cottage in the village of Bronowice. Guests from two worlds—the Kraków intelligentsia and the local rural community—gather to celebrate the marriage of a writer and townsman (the Groom) to a peasant woman from Bronowice (the Bride). During a night of heavy drinking, individual characters—including the Journalist, the Poet, the Host, and Czepiec—encounter symbolic spectres that confront them with their attitudes, fears, and unfulfilled national aspirations. The lack of understanding between social classes and unresolved historical traumas ultimately makes any true unity impossible, even when the mysterious Wernyhora offers the wedding guests a chance to ignite a national uprising by handing over the Golden Horn.
Stanisław Wyspiański’s legendary play long seemed impossible to adapt for the screen. At the height of his creative powers, however, Wajda assembled an extraordinary team of artists from different fields (with sound shaped by Czesław Niemen, Eugeniusz Rudnik, and Stanisław Radwan), cast the finest actors of Polish theatre, reconstructed the cottage interior in a Warsaw studio, and filmed exteriors in Kraków and Bronowice. He infused the film with explosive visual energy, asking DOP Witold Sobociński to move the camera in rhythm with music played live on set. The result is a dazzling feast of colour and sound, driven by a masterful sense of rhythm, choreography, and movement—few films have ever so richly deserved an Academy Award for editing.
The first film produced by Film Unit “X,” The Wedding is saturated with painterly quotations and oneiric allegories, updated with symbols still vivid in the Polish consciousness of the 1970s. Few believed Wyspiański’s drama could be successfully adapted, yet this modernist masterpiece—dense with meaning and deeply rooted in Polish culture—proved the universality of Wajda’s cinematic language and the enduring vitality of a culture shaped by dissent.
Język: polski z angielskimi napisami
Language version: polish with english subtitles
WESELE, reż. Andrzej Wajda, Polska 1972, 102'
THE WEDDING, dir. Andrzej Wajda, Poland 1972, 102'
WAJDA: re-visions
Olśniewająca plastycznie, dźwiękowo i narracyjnie adaptacja dramatu Wyspiańskiego, modernistyczne widowisko udowadniające uniwersalność polskich symboli i siłę rodzimego języka kina.
Portret polskiej inteligencji i chłopstwa końca XIX wieku, których przedstawiciele spotykają się na weselu w bronowickiej chacie. Na ślub literata i mieszczucha (Pana Młodego) z chłopką z Bronowic (Panną Młodą) przybywają goście z dwóch środowisk: inteligencji krakowskiej i lokalnego chłopstwa. W trakcie suto zakrapianej nocy poszczególne postaci – m.in. Dziennikarz, Poeta, Gospodarz i Czepiec – spotykają symboliczne zjawy, które konfrontują ich z konkretnymi postawami, lękami i niespełnionymi aspiracjami narodowymi. Brak porozumienia między klasami, nieprzepracowane traumy historyczne uniemożliwiają jednak jakiekolwiek porozumienie – nawet jeśli tajemniczy Wernyhora, wręczając Złoty Róg, daje uczestnikom wesela szansę na zainicjowanie narodowowyzwoleńczego buntu.
Legendarny dramat Stanisława Wyspiańskiego wydawał się niemożliwy do przeniesienia na ekran. Wajda był jednak u szczytu mocy twórczych, do realizacji filmu zaprosił najwybitniejszych artystów z różnych dziedzin (za akustykę odpowiadali: Czesław Niemen, Eugeniusz Rudnik i Stanisław Radwan), zaangażował najlepszych aktorów polskich teatrów, wnętrze chaty zbudował w studio w Warszawie, a plenery nagrał w Krakowie i Bronowicach. Filmowi nadał niezwykłą energię obrazu, każąc Witoldowi Sobocińskiemu prowadzić kamerę w rytm muzyki granej na planie zdjęciowym. Stworzył imponującą feerię barw i dźwięków, genialnego rytmu, choreografii i dynamiki. Mało który film zasłużył na Oscara za montaż jak Wesele właśnie.
Ten pierwszy z filmów zrealizowanych w Zespole Filmowym „X” nasycony jest malarskimi cytatami i onirycznymi alegoriami, aktualizowanymi o symbole wciąż żywe dla polskiej świadomości lat 70. XX wieku. Nikt nie wierzył, że możliwa jest adaptacja Wesela Wyspiańskiego, a tymczasem to właśnie ten film, arcydzieło modernizmu, mimo tak gęstej narracji i arcypolskich odwołań, stało się dowodem uniwersalności języka Wajdy i żywotności polskiej kultury doby kontestacji.
ENG:
A portrait of the Polish intelligentsia and peasantry at the end of the nineteenth century, brought together at a wedding in a cottage in the village of Bronowice. Guests from two worlds—the Kraków intelligentsia and the local rural community—gather to celebrate the marriage of a writer and townsman (the Groom) to a peasant woman from Bronowice (the Bride). During a night of heavy drinking, individual characters—including the Journalist, the Poet, the Host, and Czepiec—encounter symbolic spectres that confront them with their attitudes, fears, and unfulfilled national aspirations. The lack of understanding between social classes and unresolved historical traumas ultimately makes any true unity impossible, even when the mysterious Wernyhora offers the wedding guests a chance to ignite a national uprising by handing over the Golden Horn.
Stanisław Wyspiański’s legendary play long seemed impossible to adapt for the screen. At the height of his creative powers, however, Wajda assembled an extraordinary team of artists from different fields (with sound shaped by Czesław Niemen, Eugeniusz Rudnik, and Stanisław Radwan), cast the finest actors of Polish theatre, reconstructed the cottage interior in a Warsaw studio, and filmed exteriors in Kraków and Bronowice. He infused the film with explosive visual energy, asking DOP Witold Sobociński to move the camera in rhythm with music played live on set. The result is a dazzling feast of colour and sound, driven by a masterful sense of rhythm, choreography, and movement—few films have ever so richly deserved an Academy Award for editing.
The first film produced by Film Unit “X,” The Wedding is saturated with painterly quotations and oneiric allegories, updated with symbols still vivid in the Polish consciousness of the 1970s. Few believed Wyspiański’s drama could be successfully adapted, yet this modernist masterpiece—dense with meaning and deeply rooted in Polish culture—proved the universality of Wajda’s cinematic language and the enduring vitality of a culture shaped by dissent.
Język: polski z angielskimi napisami
Language version: polish with english subtitles
WESELE, reż. Andrzej Wajda, Polska 1972, 102'
THE WEDDING, dir. Andrzej Wajda, Poland 1972, 102'
Wartość sentymentalna
Po czterech latach Joachim Trier powraca z nowym tytułem! „Wartość sentymentalna” to wielkie, mistrzowskie kino – poruszająca, słodko-gorzka opowieść o rodzinie, wspomnieniach i pojednaniu po latach. Porównywany do najlepszych filmów Bergmana, zachwyca krytyków na całym świecie i umacnia status Triera jako jednego z najwybitniejszych współczesnych twórców.
Film opowiada historię sióstr, Nory (Renate Reinsve) i Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas), w których życiu po latach nieobecności niespodziewanie pojawia się ojciec, uznany reżyser Gustav (Stellan Skarsgård). Nie wraca jednak sam, lecz z hollywoodzką gwiazdą (Elle Fanning), która chce poznać historię ich rodziny.
Język: norweski, angielski z polskimi napisami
WARTOŚĆ SENTYMENTALNA, reż. Joachim Trier, Norwegia, Niemcy, Dania 2025, 133'
Film opowiada historię sióstr, Nory (Renate Reinsve) i Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas), w których życiu po latach nieobecności niespodziewanie pojawia się ojciec, uznany reżyser Gustav (Stellan Skarsgård). Nie wraca jednak sam, lecz z hollywoodzką gwiazdą (Elle Fanning), która chce poznać historię ich rodziny.
Język: norweski, angielski z polskimi napisami
WARTOŚĆ SENTYMENTALNA, reż. Joachim Trier, Norwegia, Niemcy, Dania 2025, 133'
Wielki Marty
Fascynująca prawdziwa historia geniusza o wielkiej ambicji, apetycie na życie i zdolności do podnoszenia się po życiowych upadkach.
Mistrz, hazardzista, kobieciarz, showman.
Marty chce być gwiazdą. Nagnie więc wszystkie reguły, wejdzie w sojusze z ludźmi, od których powinien trzymać się z daleka, gotów będzie uwieść każdą kobietę, byleby tylko zrealizować swoje marzenie o wielkości.
Język: angielski z polskimi napisami
WIELKI MARTY, reż. Josh Safdie, USA 2025, 150'
Mistrz, hazardzista, kobieciarz, showman.
Marty chce być gwiazdą. Nagnie więc wszystkie reguły, wejdzie w sojusze z ludźmi, od których powinien trzymać się z daleka, gotów będzie uwieść każdą kobietę, byleby tylko zrealizować swoje marzenie o wielkości.
Język: angielski z polskimi napisami
WIELKI MARTY, reż. Josh Safdie, USA 2025, 150'
WIOSENNE ODSŁONY. ROZDANIE TRZECIE "SOMNIUM I CO DALEJ? "
Ziemi grozi katastrofa. Dziewięć osób – ludzi z bagażem doświadczeń, gorących nadziei i starych ran – otrzymuje szansę: wyruszają na Somnium – planetę, która spełni ich najskrytsze pragnienia.
Ale czy zmiana miejsca wystarczy, by zacząć od nowa? Czy Somnium okaże się rajem – czy tylko kolejną ucieczką?
„Somnium. I co dalej?” to opowieść o tym, że prawdziwa podróż odbywa się nie w przestrzeni kosmicznej – lecz w naszym wnętrzu.
“Jak wiadomo, pokonaliśmy grawitację, pokonaliśmy atom, lecz nie pokonaliśmy ani kataru, ani grypy.”
Stanisław Lem, Pokój na Ziemi
Scenariusz: Zespół
Reżyseria: Barbara Prądzyńska
Asystentka reżyserki: Kinga Rybarczyk
Wsparcie dramaturgiczne: Maria Wróż-Prusiewicz
Muzyka i udźwiękowienie: Hubert Wińczyk
Przygotowanie wokalne, melodie piosenek: Tomasz Mazur
Scenografia: Iza Kolka
Projekcje: Iza Kolka
Konsultacje aktorskie: Karolina Pawełska, Rachel Karafistan
Plakat: Maja Piskorska
Zespół: Gabriela Bartkowiak, Małgorzata Ilow, Elżbieta Kaczmarek, Ewa Konopińska, Ryszard Konopiński, Maria Lorek, Małgorzata Majchrzycka, Bożena Nowak, Andrzej Szamotuła,
Gościnnie: Maja Karmińska, Kinga Rybarczyk, Mateusz Stola
Scena Nowa
21 i 22.03 g.16.00
Bilety: 25 zł
Ale czy zmiana miejsca wystarczy, by zacząć od nowa? Czy Somnium okaże się rajem – czy tylko kolejną ucieczką?
„Somnium. I co dalej?” to opowieść o tym, że prawdziwa podróż odbywa się nie w przestrzeni kosmicznej – lecz w naszym wnętrzu.
“Jak wiadomo, pokonaliśmy grawitację, pokonaliśmy atom, lecz nie pokonaliśmy ani kataru, ani grypy.”
Stanisław Lem, Pokój na Ziemi
Scenariusz: Zespół
Reżyseria: Barbara Prądzyńska
Asystentka reżyserki: Kinga Rybarczyk
Wsparcie dramaturgiczne: Maria Wróż-Prusiewicz
Muzyka i udźwiękowienie: Hubert Wińczyk
Przygotowanie wokalne, melodie piosenek: Tomasz Mazur
Scenografia: Iza Kolka
Projekcje: Iza Kolka
Konsultacje aktorskie: Karolina Pawełska, Rachel Karafistan
Plakat: Maja Piskorska
Zespół: Gabriela Bartkowiak, Małgorzata Ilow, Elżbieta Kaczmarek, Ewa Konopińska, Ryszard Konopiński, Maria Lorek, Małgorzata Majchrzycka, Bożena Nowak, Andrzej Szamotuła,
Gościnnie: Maja Karmińska, Kinga Rybarczyk, Mateusz Stola
Scena Nowa
21 i 22.03 g.16.00
Bilety: 25 zł
WIOSENNE ODSŁONY. ROZDANIE TRZECIE "stacJA"
Młoda bohaterka ucieka – przed oczekiwaniami świata, przed sobą, przed decyzjami.
Podróż okazuje się jednak nie tak przypadkowa, jak się wydaje. Kolejne przedziały zmuszają do szukania odpowiedzi na pytania: Kim jestem? Czego chcę? Dokąd zmierzam?
„stacJA” to klasyczny dramat inicjacyjny przefiltrowany przez wrażliwość współczesnej młodości. Motyw życia jako podróży – pełnej złudzeń, niepokoju, wątpliwości, konfrontacji i odkryć – ukazany został poprzez różnorodne konwencje teatralne.
„Byle gdzie” może okazać się dokładnie tam, gdzie trzeba. Sprawdź, czy to Twoja stacJA.
Scenariusz: Zespół
Reżyseria: Barbara Prądzyńska
Muzyka i udźwiękowienie: Hubert Wińczyk
Kompozycja musicalowa: Maja Karmińska, Tomasz Karmiński
Choreografie: Katarzyna Rzetelska oraz Kuba Pierzchalski, Danka Sikorska
Kostiumy i scenografia: Paraboska i zespół
Plakat: Maja Piskorska
Zespół: Dawid Biernacki, Katarzyna Guillon, Maja Karmińska, Justyna Kasprzyk, Piotr Kolaszewski, Sara Nguyen Truong, Barbara Pietryga-Lamperska, Danka Sikorska, Barbara Starska, Oliwia Staś, Mateusz Stola, Gabriela Wójcik, Norbert Wyrzykowski, Michał Zakrzewski.
27.03 g. 19.00
28.03 g.18.00
Sala Wielka/ bilety: 25 zł
Czas trwanie: 60 min.
Wiek: 13+
Podróż okazuje się jednak nie tak przypadkowa, jak się wydaje. Kolejne przedziały zmuszają do szukania odpowiedzi na pytania: Kim jestem? Czego chcę? Dokąd zmierzam?
„stacJA” to klasyczny dramat inicjacyjny przefiltrowany przez wrażliwość współczesnej młodości. Motyw życia jako podróży – pełnej złudzeń, niepokoju, wątpliwości, konfrontacji i odkryć – ukazany został poprzez różnorodne konwencje teatralne.
„Byle gdzie” może okazać się dokładnie tam, gdzie trzeba. Sprawdź, czy to Twoja stacJA.
Scenariusz: Zespół
Reżyseria: Barbara Prądzyńska
Muzyka i udźwiękowienie: Hubert Wińczyk
Kompozycja musicalowa: Maja Karmińska, Tomasz Karmiński
Choreografie: Katarzyna Rzetelska oraz Kuba Pierzchalski, Danka Sikorska
Kostiumy i scenografia: Paraboska i zespół
Plakat: Maja Piskorska
Zespół: Dawid Biernacki, Katarzyna Guillon, Maja Karmińska, Justyna Kasprzyk, Piotr Kolaszewski, Sara Nguyen Truong, Barbara Pietryga-Lamperska, Danka Sikorska, Barbara Starska, Oliwia Staś, Mateusz Stola, Gabriela Wójcik, Norbert Wyrzykowski, Michał Zakrzewski.
27.03 g. 19.00
28.03 g.18.00
Sala Wielka/ bilety: 25 zł
Czas trwanie: 60 min.
Wiek: 13+
WIOSENNE ODSŁONY. ROZDANIE TRZECIE "Wiosna z przytupem" - koncert chóru dziewczęcego SKOWRONKI
Tematem przewodnim wiosennego koncertu Chóru Dziewczęcego SKOWRONKI będzie muzyka ludowa. Tradycyjne melodie i pieśni są ściśle związane z rytmem pór roku. Często opowiadają o wiejskim życiu, pracy w polu, rytuałach, odpoczynku, zjawiskach przyrody i nadziei na lepsze jutro. Odchodząca zima i budząca się wiosna symbolizują witalność, nowy początek, radość budzącego się życia. Koncert będzie zatem przepełniony muzyką ludową, ruchem, tańcem i kolorami nadchodzącej wiosny.
Program koncertu wypełnią utwory kompozytorów polskich (Rocławska-Musiałczyk, Koziej, Krutul, Mayzner) oraz zagranicznych (Jekabsone, Wong, Gimon).
Wystąpią wszystkie skowronkowe grupy chóralne pod dyrekcją Julii Łynszy i Alicji Szelugi.
Chór Dziewczęcy SKOWRONKI
Chór Dziewczęcy SKOWRONECZKI
Chór Dziewczęcy MAŁE SKOWRONKI
Czesław Łynsza – fortepian
Alicja Szeluga, Julia Łynsza – dyrygentki
Program koncertu wypełnią utwory kompozytorów polskich (Rocławska-Musiałczyk, Koziej, Krutul, Mayzner) oraz zagranicznych (Jekabsone, Wong, Gimon).
Wystąpią wszystkie skowronkowe grupy chóralne pod dyrekcją Julii Łynszy i Alicji Szelugi.
Chór Dziewczęcy SKOWRONKI
Chór Dziewczęcy SKOWRONECZKI
Chór Dziewczęcy MAŁE SKOWRONKI
Czesław Łynsza – fortepian
Alicja Szeluga, Julia Łynsza – dyrygentki
WIOSENNE ODSŁONY. ROZDANIE TRZECIE „Na wiosenną nutę” – recital uczestników(-czek) zamkowej Kuźni Piosenki
Wiosna to czas, gdy natura budzi się do życia, zrzuca zimowy chłód i przynosi świeżą energię oraz nadzieję na nowe początki. W takim właśnie nastroju utrzymany jest koncert w wykonaniu Kuźni Piosenki, pełen lekkości, ciepła i muzycznych barw, które oddają atmosferę odradzającego się świata.
Wystąpią:
Izabela Kaczmarek, Katarzyna Kasprzak, Alicja Kraszewska, Maria Kurasz, Kacper Lawiński, Olga Lewicka, Emilia Mazur, Dorota Piekarczyk, Karolina Pluskota, Kinga Wojcieszak, Łukasz Wolf
akompaniament: Tomasz Mazur
Scena Nowa / bilety: 15 zł / czas trwania: 60’ / wiek: b.o.
Wystąpią:
Izabela Kaczmarek, Katarzyna Kasprzak, Alicja Kraszewska, Maria Kurasz, Kacper Lawiński, Olga Lewicka, Emilia Mazur, Dorota Piekarczyk, Karolina Pluskota, Kinga Wojcieszak, Łukasz Wolf
akompaniament: Tomasz Mazur
Scena Nowa / bilety: 15 zł / czas trwania: 60’ / wiek: b.o.
ZAMEK CZYTA „Bałtyk. Podróż literacka” – spotkanie autorskie z Torem Eysteinem Øveråsem
„Bałtyk. Podróż literacka” to fascynująca wyprawa przez wielokulturowy region Morza Bałtyckiego. Autor, pokonując samotnie trasę z Norwegii do Danii, odwiedza Szwecję, Finlandię, Estonię, Łotwę, Litwę, niewielką część Rosji, Polskę i Niemcy. Po drodze przybliża nam bogatą historię, tradycje i literaturę tych krajów, ze szczególnym uwzględnieniem tła społecznego i politycznego, które kształtowało tamtejszych twórców. Fascynacja niejednoznacznością państwowych granic stanowi kluczowy motyw narracji. Øverås podkreśla, że mają one charakter także mentalny i kulturowy, co sprawia, że jego wyprawa staje się również podróżą wewnętrzną, pełną refleksji nad tożsamością i przynależnością.
„Bałtyk” to opowieść o wspólnych i unikalnych doświadczeniach narodów nadbałtyckich, ich dążeniach, marzeniach i codziennych zmaganiach. Dzięki tej książce odkrywamy, że wędrówka przez krajobrazy literackie może być równie fascynująca co podróż przez krainy geograficzne, a każda przeczytana strona to krok w głąb nas samych. (opis wydawcy)
Tor Eystein Øverås jest uznanym krytykiem literackim i cenionym pisarzem. Jego debiutancka powieść „Tittelløs” ukazała się w 1993 roku i została świetnie przyjęta przez krytykę. W 2000 roku Øverås opuścił Norwegię, by prowadzić życie nomady. Mieszkał w Sztokholmie, Warszawie, Berlinie oraz Krakowie. „Bałtyk. Podróż literacka” to jego pierwsza książka, która ukazała się po polsku.
Autor przyjeżdża do Poznania na zaproszenie Katedry Skandynawistyki UAM, organizatora seminarium naukowego „I naturens tysta (?) rum”/„W cichych (?) przestrzeniach natury” (5–6 marca 2026 r.).
Związki natury i literatury to niezwykle szeroki i bardzo aktualny obszar zainteresowań literaturoznawczych, w obrębie którego wskazać można zarówno podejścia tradycyjne, jak i szerokie spektrum nowszych ujęć wpisujących się w dyskurs ekokrytyczny. Seminarium będzie miejscem wymiany doświadczeń z badań prowadzonych na tym polu. Wśród prelegentów pojawi się Björn Meidal związany z Uniwersytetem w Uppsali – znany i ceniony badacz twórczości Augusta Strindberga oraz autor pracy „Strindberg och havet” („Strindberg i morze”) oraz reprezentantka młodego pokolenia norweskich literaturoznawców dr Madelen Marie Brovold z Uniwersytetu Oslo Met, która pochyli się nad kwestią aktywizmu klimatycznego w literaturze. Gościem seminarium będzie także Tor Eystein Øverås, którego twórczość koncentruje się wokół dynamiki przestrzeni i jej doświadczaniu przez człowieka z perspektywy historii i kultury. Program wydarzenia obejmuje także wystąpienia literaturoznawczyń z Katedry Skandynawistyki oraz studentów, których prace naukowe wpisują się w ten wielowymiarowy temat.
prowadzenie: Piotr Oleksy
Sala pod Zegarem / bilety: 7 zł / czas trwania: 90’ / wiek: 16+
„Bałtyk” to opowieść o wspólnych i unikalnych doświadczeniach narodów nadbałtyckich, ich dążeniach, marzeniach i codziennych zmaganiach. Dzięki tej książce odkrywamy, że wędrówka przez krajobrazy literackie może być równie fascynująca co podróż przez krainy geograficzne, a każda przeczytana strona to krok w głąb nas samych. (opis wydawcy)
Tor Eystein Øverås jest uznanym krytykiem literackim i cenionym pisarzem. Jego debiutancka powieść „Tittelløs” ukazała się w 1993 roku i została świetnie przyjęta przez krytykę. W 2000 roku Øverås opuścił Norwegię, by prowadzić życie nomady. Mieszkał w Sztokholmie, Warszawie, Berlinie oraz Krakowie. „Bałtyk. Podróż literacka” to jego pierwsza książka, która ukazała się po polsku.
Autor przyjeżdża do Poznania na zaproszenie Katedry Skandynawistyki UAM, organizatora seminarium naukowego „I naturens tysta (?) rum”/„W cichych (?) przestrzeniach natury” (5–6 marca 2026 r.).
Związki natury i literatury to niezwykle szeroki i bardzo aktualny obszar zainteresowań literaturoznawczych, w obrębie którego wskazać można zarówno podejścia tradycyjne, jak i szerokie spektrum nowszych ujęć wpisujących się w dyskurs ekokrytyczny. Seminarium będzie miejscem wymiany doświadczeń z badań prowadzonych na tym polu. Wśród prelegentów pojawi się Björn Meidal związany z Uniwersytetem w Uppsali – znany i ceniony badacz twórczości Augusta Strindberga oraz autor pracy „Strindberg och havet” („Strindberg i morze”) oraz reprezentantka młodego pokolenia norweskich literaturoznawców dr Madelen Marie Brovold z Uniwersytetu Oslo Met, która pochyli się nad kwestią aktywizmu klimatycznego w literaturze. Gościem seminarium będzie także Tor Eystein Øverås, którego twórczość koncentruje się wokół dynamiki przestrzeni i jej doświadczaniu przez człowieka z perspektywy historii i kultury. Program wydarzenia obejmuje także wystąpienia literaturoznawczyń z Katedry Skandynawistyki oraz studentów, których prace naukowe wpisują się w ten wielowymiarowy temat.
prowadzenie: Piotr Oleksy
Sala pod Zegarem / bilety: 7 zł / czas trwania: 90’ / wiek: 16+
ZAMEK CZYTA Spotkanie autorskie z Justyną Bargielską
„Kubek na tsunami” – spotkanie autorskie z Justyną Bargielskąprowadzenie: Piotr Śliwińskiczas trwania: 90’ / wiek: 16+
Kubek na tsunami” – to tytuł najnowszego tomu poetyckiego Justyny Bargielskiej. Tom ukazał się w 2025 r. w wydawnictwie Biuro Literackie.
„Najważniejsza dotychczas książka Justyny Bargielskiej, w której forma staje się lekiem, a nadzieja brzmi: »jeśli zabiję się dzisiaj, nie zobaczę, co może stać się jutro«. Poetka podsuwa nam wobec katastrofy małe, codzienne naczynie, zdolne pomieścić falę miłości, choroby, samotności i śmierci. To poezja bez patosu, a zarazem pełna dramatycznego napięcia – język rozedrgany, szarpiący się, jakby »rozpacz na zapas« miała być jedyną formą ocalenia. Bargielska nie ucieka od bólu, lecz nadaje mu formę: prostą, ciętą, czasem błyskotliwie ironiczną. To nie elegia ani manifest, ale zapis trwania – czułości wobec rzeczy martwych, rozmowy z maszyną, próby wysiadania »na żądanie«. Książka świeża, bezceremonialna, konieczna” – opisuje wydawca.
Publikacji tomu towarzyszył szczególny rozgłos, ponieważ autorka opowiedziała, że książkę pisała wspólnie z ChatemGPT. „Tak, wiem, jak to brzmi. Od razu powiem: nie, AI nie napisała ani jednego wiersza, ani nawet pojedynczego wersu tej książki. Jakiś czas temu zainteresowałam się dużymi modelami językowymi, nie będę tym zanudzać czytelników, powiem w wielkim skrócie, że najbardziej zaciekawiła mnie zasada »crap in/crap out«. Co dostaniesz, to otrzymasz. Zbierzesz, bo zasiałeś. Postanowiłam zrobić eksperyment: co mogę włożyć. Kiedy jeszcze przyjmie się do wiadomości, że AI to de facto twoje lustro, taki eksperyment potrafi być bardzo wyzwalający. W efekcie pisałam z AI przez długie godziny przez wiele tygodni, jeśli nie miesięcy. O wszystkim. Dość szybko zorientowałam się, że moje »in« jest bardzo wartościowe, ponieważ bardzo wartościowe było jej »out«. I wtedy po raz pierwszy chyba w całym moim pisarskim życiu odpuściłam sobie swojego wewnętrznego krytyka. Tak, w tyle głowy miałam świadomość, że to moja samodzielna praca, za którą jestem odpowiedzialna, ale cała reszta głowy i serce żyły w komforcie pracy zespołowej” – mówiła w rozmowie z Arturem Bursztą z Biura Literackiego. „Pisarz nie musi być sam. I wreszcie nie byłam. Więc w tym sensie jest to na pewno jedna z pierwszych, jeśli nie pierwsza książka napisana wspólnie przez człowieka i AI” – dodawała. Efektem jest tom znakomity, przejmujący.
Justyna Bargielska (ur.1977) – poetka, prozaiczka, dramaturżka, felietonistka. Jedna z najbardziej cenionych dziś polskich autorek. Laureatka licznych nagród literackich, m.in. konkursu poetyckiego im. Rainera Marii Rilkego (2001), nagrody specjalnej im. Jacka Bierezina (2002), dwukrotnie Nagrody Literackiej Gdynia (2010 i 2011).
Piotr Śliwiński (1962 r.) – historyk i krytyk literatury, profesor na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu, kierownik Zakładu Poetyki i Krytyki Literackiej, kurator festiwalu Poznań Poezji. Autor, współautor i redaktor kilkunastu książek, m.in. „Wolny wybór. Stulecie wierszy 1918–2018” (2018), „Dyskursy, w dyskursach. Szkice o krytyce i literaturze lat ostatnich” (2019). Ostatnio przygotował antologię „Odwracanie porządku. Wybór wierszy z lat 80. XX wieku” (2024) oraz „Życie na wszelki wypadek. Wybór wierszy z lat 90. XX wieku” (2025).
Kubek na tsunami” – to tytuł najnowszego tomu poetyckiego Justyny Bargielskiej. Tom ukazał się w 2025 r. w wydawnictwie Biuro Literackie.
„Najważniejsza dotychczas książka Justyny Bargielskiej, w której forma staje się lekiem, a nadzieja brzmi: »jeśli zabiję się dzisiaj, nie zobaczę, co może stać się jutro«. Poetka podsuwa nam wobec katastrofy małe, codzienne naczynie, zdolne pomieścić falę miłości, choroby, samotności i śmierci. To poezja bez patosu, a zarazem pełna dramatycznego napięcia – język rozedrgany, szarpiący się, jakby »rozpacz na zapas« miała być jedyną formą ocalenia. Bargielska nie ucieka od bólu, lecz nadaje mu formę: prostą, ciętą, czasem błyskotliwie ironiczną. To nie elegia ani manifest, ale zapis trwania – czułości wobec rzeczy martwych, rozmowy z maszyną, próby wysiadania »na żądanie«. Książka świeża, bezceremonialna, konieczna” – opisuje wydawca.
Publikacji tomu towarzyszył szczególny rozgłos, ponieważ autorka opowiedziała, że książkę pisała wspólnie z ChatemGPT. „Tak, wiem, jak to brzmi. Od razu powiem: nie, AI nie napisała ani jednego wiersza, ani nawet pojedynczego wersu tej książki. Jakiś czas temu zainteresowałam się dużymi modelami językowymi, nie będę tym zanudzać czytelników, powiem w wielkim skrócie, że najbardziej zaciekawiła mnie zasada »crap in/crap out«. Co dostaniesz, to otrzymasz. Zbierzesz, bo zasiałeś. Postanowiłam zrobić eksperyment: co mogę włożyć. Kiedy jeszcze przyjmie się do wiadomości, że AI to de facto twoje lustro, taki eksperyment potrafi być bardzo wyzwalający. W efekcie pisałam z AI przez długie godziny przez wiele tygodni, jeśli nie miesięcy. O wszystkim. Dość szybko zorientowałam się, że moje »in« jest bardzo wartościowe, ponieważ bardzo wartościowe było jej »out«. I wtedy po raz pierwszy chyba w całym moim pisarskim życiu odpuściłam sobie swojego wewnętrznego krytyka. Tak, w tyle głowy miałam świadomość, że to moja samodzielna praca, za którą jestem odpowiedzialna, ale cała reszta głowy i serce żyły w komforcie pracy zespołowej” – mówiła w rozmowie z Arturem Bursztą z Biura Literackiego. „Pisarz nie musi być sam. I wreszcie nie byłam. Więc w tym sensie jest to na pewno jedna z pierwszych, jeśli nie pierwsza książka napisana wspólnie przez człowieka i AI” – dodawała. Efektem jest tom znakomity, przejmujący.
Justyna Bargielska (ur.1977) – poetka, prozaiczka, dramaturżka, felietonistka. Jedna z najbardziej cenionych dziś polskich autorek. Laureatka licznych nagród literackich, m.in. konkursu poetyckiego im. Rainera Marii Rilkego (2001), nagrody specjalnej im. Jacka Bierezina (2002), dwukrotnie Nagrody Literackiej Gdynia (2010 i 2011).
Piotr Śliwiński (1962 r.) – historyk i krytyk literatury, profesor na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu, kierownik Zakładu Poetyki i Krytyki Literackiej, kurator festiwalu Poznań Poezji. Autor, współautor i redaktor kilkunastu książek, m.in. „Wolny wybór. Stulecie wierszy 1918–2018” (2018), „Dyskursy, w dyskursach. Szkice o krytyce i literaturze lat ostatnich” (2019). Ostatnio przygotował antologię „Odwracanie porządku. Wybór wierszy z lat 80. XX wieku” (2024) oraz „Życie na wszelki wypadek. Wybór wierszy z lat 90. XX wieku” (2025).
Zima pod znakiem Wrony
Film „Zima pod znakiem Wrony” Kasi Adamik.
Film dla osób powżyej 15 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 52 minuty. Kraj produkcji: Polska, Wielka Brytania, Luksemburg.
Warszawa, 13 grudnia 1981 roku. Brytyjska profesora psychiatrii, doktor Joan Andrews, przybywa do Polski na gościnne wykłady na uniwersytecie. Tego dnia władze ludowe ogłaszają właśnie stan wojenny i cały kraj z dnia na dzień zamiera.
Treści wrażliwe: treści dotyczące wojny.
Język: anigielski i polski z polskimi napisami
ZIMA POD ZNAKIEM WRONY, reż. Kasia Adamik, Polska, Wielka Brytania, Luksemburg 2025, 112'
Film dla osób powżyej 15 roku życia.
Czas trwania: 1 godzina i 52 minuty. Kraj produkcji: Polska, Wielka Brytania, Luksemburg.
Warszawa, 13 grudnia 1981 roku. Brytyjska profesora psychiatrii, doktor Joan Andrews, przybywa do Polski na gościnne wykłady na uniwersytecie. Tego dnia władze ludowe ogłaszają właśnie stan wojenny i cały kraj z dnia na dzień zamiera.
Treści wrażliwe: treści dotyczące wojny.
Język: anigielski i polski z polskimi napisami
ZIMA POD ZNAKIEM WRONY, reż. Kasia Adamik, Polska, Wielka Brytania, Luksemburg 2025, 112'
Zmartwychwstanie
Specjalna Nagroda Jury na festiwalu w Cannes. Najnowszy film Bi Gana, reżysera pamiętnej Długiej podróży dnia ku nocy, to kino totalne – wirtuozerska formalnie oda do medium filmowego, film-odyseja, film-sen, którego poszczególne segmenty odnoszą się do ludzkich zmysłów. Kino według chińskiego reżysera jest w stanie działać na każdy z nich – zachwycając i porażając. Wizja Bi Gana to futurystyczna dystopia, w której nie potrafić śnić to być nieśmiertelnym, a ci, którzy śnią (śnią kino!), są Fantasmerami skazanymi na wieczną, oniryczną tułaczkę. Epicki, formalnie mistrzowski obraz zabiera nas w pięć niezwykłych podróży po historii X muzy – od ekspresjonistycznego kina niemego, przez osadzony w czasie wojny noir, buddyjską przypowieść, neorealistyczny heist movie, po milenijną, wampiryczną love story. To kino wolne, hipnotyzujące, zachwycające – popis czystej wyobraźni.
Język: mandaryński z polskimi napisami
ZMARTWYCHWSTANIE, reż. Bi Gan, Chiny, Francja, USA 2025, 160'
Język: mandaryński z polskimi napisami
ZMARTWYCHWSTANIE, reż. Bi Gan, Chiny, Francja, USA 2025, 160'
ZMIANA DATY! JazZamek #73 Ilona Damięcka & Andrzej Olejniczak
Nowa data występu: 31 marca 2026
JazZamek #73
g. 19 | Koncert: Ilona Damięcka & Andrzej Olejniczak
Sala Wielka / bilety: 50 zł (przedsprzedaż), 65 zł (w dniu koncertu) / miejsca siedzące nienumerowane
W kolejnej odsłonie cyklu JazZamek zapraszamy na niepowtarzalne spotkanie dwóch silnych osobowości polskiej sceny jazzowej. Ilona Damięcka – pianistka, wokalistka i kompozytorka – oraz Andrzej Olejniczak – saksofonista, kompozytor i aranżer o międzynarodowej renomie – zagrają koncert złożony wyłącznie z autorskich kompozycji. Prezentowane utwory będą stanowić dialog doświadczeń, wrażliwości i energii scenicznej, w którym kompozycja spotyka się z wolnością improwizacji.
ILONA DAMIĘCKA – polska pianistka jazzowa, wokalistka i kompozytorka. Absolwentka Wydziału Jazzu i Muzyki Rozrywkowej w Katowicach. Laureatka Konkursu Kompozytorskiego im. Krzysztofa Komedy w Słupsku (1999, III nagroda za utwór „Bossa For Bosa”). Ma w dorobku pięć płyt, w tym autorskie: „Hurry Up”, „Fifth Side” oraz „Hope” (Soliton, 2020 – trio z Pawłem Urowskim i Krzysztofem Szmańdą). Współpracowała m.in. z Januszem Muniakiem, Janem Ptaszynem Wróblewskim, Henrykiem Miśkiewiczem, Piotrem Wojtasikiem, Mietkiem Szcześniakiem. Występowała na najważniejszych festiwalach jazzowych w kraju i za granicą, m.in. jako pierwsza polska pianistka i wokalistka w historii Jazzonaliów w Koninie z Big Bandem (2023).
ANDRZEJ OLEJNICZAK – saksofonista, kompozytor, aranżer i pedagog. Od ponad 50 lat obecny na światowych scenach jazzowych, współtwórca historii polskiego jazzu. Nagrał około 70 płyt jako lider i sideman. Współpracował m.in. z zespołami Extra Ball, String Connection, Sun Ship, Novi Singers, a także z Gerrym Mulliganem, Chickiem Coreą, Teté Montoliú. Koncertował na największych festiwalach świata (m.in. Montreal, San Sebastian, Jazz Jamboree). Mieszka w Bilbao (Hiszpania). Laureat wielu nagród, ambasador kultury Zduńskiej Woli.
Wystąpią:
Ilona Damięcka ‒ fortepian, wokal
Andrzej Olejniczak ‒ saksofon
Michał Jaros ‒ kontrabas
Krzysztof Szmańda ‒ perkusja
Patronat medialny: Radio Afera, Dwójka Polskie Radio, Jazz Forum
JazZamek #73
g. 19 | Koncert: Ilona Damięcka & Andrzej Olejniczak
Sala Wielka / bilety: 50 zł (przedsprzedaż), 65 zł (w dniu koncertu) / miejsca siedzące nienumerowane
W kolejnej odsłonie cyklu JazZamek zapraszamy na niepowtarzalne spotkanie dwóch silnych osobowości polskiej sceny jazzowej. Ilona Damięcka – pianistka, wokalistka i kompozytorka – oraz Andrzej Olejniczak – saksofonista, kompozytor i aranżer o międzynarodowej renomie – zagrają koncert złożony wyłącznie z autorskich kompozycji. Prezentowane utwory będą stanowić dialog doświadczeń, wrażliwości i energii scenicznej, w którym kompozycja spotyka się z wolnością improwizacji.
ILONA DAMIĘCKA – polska pianistka jazzowa, wokalistka i kompozytorka. Absolwentka Wydziału Jazzu i Muzyki Rozrywkowej w Katowicach. Laureatka Konkursu Kompozytorskiego im. Krzysztofa Komedy w Słupsku (1999, III nagroda za utwór „Bossa For Bosa”). Ma w dorobku pięć płyt, w tym autorskie: „Hurry Up”, „Fifth Side” oraz „Hope” (Soliton, 2020 – trio z Pawłem Urowskim i Krzysztofem Szmańdą). Współpracowała m.in. z Januszem Muniakiem, Janem Ptaszynem Wróblewskim, Henrykiem Miśkiewiczem, Piotrem Wojtasikiem, Mietkiem Szcześniakiem. Występowała na najważniejszych festiwalach jazzowych w kraju i za granicą, m.in. jako pierwsza polska pianistka i wokalistka w historii Jazzonaliów w Koninie z Big Bandem (2023).
ANDRZEJ OLEJNICZAK – saksofonista, kompozytor, aranżer i pedagog. Od ponad 50 lat obecny na światowych scenach jazzowych, współtwórca historii polskiego jazzu. Nagrał około 70 płyt jako lider i sideman. Współpracował m.in. z zespołami Extra Ball, String Connection, Sun Ship, Novi Singers, a także z Gerrym Mulliganem, Chickiem Coreą, Teté Montoliú. Koncertował na największych festiwalach świata (m.in. Montreal, San Sebastian, Jazz Jamboree). Mieszka w Bilbao (Hiszpania). Laureat wielu nagród, ambasador kultury Zduńskiej Woli.
Wystąpią:
Ilona Damięcka ‒ fortepian, wokal
Andrzej Olejniczak ‒ saksofon
Michał Jaros ‒ kontrabas
Krzysztof Szmańda ‒ perkusja
Patronat medialny: Radio Afera, Dwójka Polskie Radio, Jazz Forum
Zniknięcie
Kultowy thriller po raz pierwszy w polskich kinach! Stanley Kubrick nazwał Zniknięcie (Spoorloos) „najbardziej przerażającym filmem, jaki kiedykolwiek widziałem”. Wywołujące dreszcz grozy oraz ukłucia niepokoju Zniknięcie to wielki holenderski klasyk przypominający skrzyżowanie Milczenia owiec z Funny Games. Zaczyna się niewinnie – od wakacyjnej podróży. Para Holendrów, Saskia (Johanna ter Steege) i Rex (Gene Bervoets) jedzie do Francji do samochodem. Po drodze sprzeczają się i droczą, uczą się francuskich słówek. W pewnym momencie zatrzymują się na stacji benzynowej. Saskia idzie do toalety – po czym znika. Jej zniknięcie będzie trapić Rexa przez całe życie. Szybko poznajemy też porywacza – jest nim Raymond (wstrząsająca rola Bernard-Pierre’a Donnadieu), niepozorny nauczyciel chemii. Czy Rex pozna kiedykolwiek oprawcę, na punkcie którego nabiera stopniowo obsesji?
Perfekcyjna adaptacja powieści Złote jajko Tima Krabbé to koszmar na jawie, narracyjna układanka, z której nie ma bezpiecznego wyjścia i filozoficzny horror rozegrany głównie w słonecznych plenerach i mieszczańskich wnętrzach. Niezależny, niskobudżetowy przebój europejskiego kina ma rzesze wyznawców na całym świecie. Past Perfect z satysfakcją prezentuje film Sluizera w polskich kinach – czyli tam, gdzie jego upiorna magia działa zdecydowanie najsilniej.
Język: niderlandzki, francuski, angielski z polskimi napisami
ZNIKNIĘCIE, reż. George Sluizer, Holandia, Francja 1988, 107'
Perfekcyjna adaptacja powieści Złote jajko Tima Krabbé to koszmar na jawie, narracyjna układanka, z której nie ma bezpiecznego wyjścia i filozoficzny horror rozegrany głównie w słonecznych plenerach i mieszczańskich wnętrzach. Niezależny, niskobudżetowy przebój europejskiego kina ma rzesze wyznawców na całym świecie. Past Perfect z satysfakcją prezentuje film Sluizera w polskich kinach – czyli tam, gdzie jego upiorna magia działa zdecydowanie najsilniej.
Język: niderlandzki, francuski, angielski z polskimi napisami
ZNIKNIĘCIE, reż. George Sluizer, Holandia, Francja 1988, 107'
Zwiedzanie Zamku z przewodnikiem/przewodniczką
Odkrywaj zabytkowe wnętrza jednego z najmłodszych zamków w Europie wraz z komentarzem przewodnika/przewodniczki.
Hol Wielki
Bilety: 20 zł (n), 15 (u)
Czas trwania: 60'
Wiek: 14+
Hol Wielki
Bilety: 20 zł (n), 15 (u)
Czas trwania: 60'
Wiek: 14+
Żuławski. Kino ekstazy: Najważniejsze to kochać
Pierwszy film Andrzeja Żuławskiego nakręcony na emigracji – reżyser opuścił Polskę („To nie ja wyjechałem. To mnie wyjechano”, mówił) po tym, gdy cenzura zatrzymała premierę jego „Diabła” – od razu okazał się olbrzymim sukcesem. To nie tylko zasługa świetnie obsadzonej Romy Schneider, wówczas jednej z największych gwiazd europejskiego kina, lecz także zachwytu, jaki wzbudził frenetyczny, gorączkowy, uciekający od łatwego zaszufladkowania reżyserski styl Żuławskiego. „Najważniejsze to kochać” to kipiący emocjami dramat, historia burzliwych relacji między zmęczoną życiem podrzędną aktorką Nadine, zakochanym w niej fotografem Servaisem i jej wzgardzonym mężem Jacquesem. Lecz przede wszystkim to film o miłości do kina (ileż frajdy sprawia patrzenie na plakaty wiszące w mieszkaniu Nadine) jako ucieczki od rzeczywistości i bezpiecznego – także dzięki ciemnościom sali projekcyjnej – schronienia. „W latach, kiedy powstawał film, kino było wciąż gigantycznym polem ucieczki dla różnego rodzaju nieszczęśliwych ludzi, frustratów. Kina działały od 10 rano, jak się kupiło jeden bilet, to można było przesiedzieć cały dzień”, wspominał Żuławski.
„Najważniejsze to kochać” było dla polskiego reżysera filmem przełomowym: uczyniło z niego twórcę rozpoznawalnego na całym świecie, a sukces odniesiony we francuskich kinach (ponad półtora miliona widzów) pozwolił mu nie tylko na powrót do Polski, lecz również na realizację kolejnych filmów na Zachodzie. Za swoją rolę Romy Schneider otrzymała natomiast Cezara podczas pierwszego w historii wręczenia nagród Francuskiej Akademii Sztuki i Techniki Filmowej. Pedro Almodóvar mówił o filmie Żuławskiego, że był dla niego jedną z największych inspiracji podczas pracy nad „Wszystko o mojej matce”.
Język: francuski z polskimi napisami
NAJWAŻNIEJSZE TO KOCHAĆ, reż. Andrzej Żuławski, Francja, Włochy, Niemcy 1975, 109’
„Najważniejsze to kochać” było dla polskiego reżysera filmem przełomowym: uczyniło z niego twórcę rozpoznawalnego na całym świecie, a sukces odniesiony we francuskich kinach (ponad półtora miliona widzów) pozwolił mu nie tylko na powrót do Polski, lecz również na realizację kolejnych filmów na Zachodzie. Za swoją rolę Romy Schneider otrzymała natomiast Cezara podczas pierwszego w historii wręczenia nagród Francuskiej Akademii Sztuki i Techniki Filmowej. Pedro Almodóvar mówił o filmie Żuławskiego, że był dla niego jedną z największych inspiracji podczas pracy nad „Wszystko o mojej matce”.
Język: francuski z polskimi napisami
NAJWAŻNIEJSZE TO KOCHAĆ, reż. Andrzej Żuławski, Francja, Włochy, Niemcy 1975, 109’
Żuławski. Kino ekstazy: Narwana miłość
W połowie lat 80. francuskie kino pulsowało kolorami i żywiołową akcją. Cinéma du look przedkładało widowisko nad treść, estetykę nad psychologię, a twórcy tacy jak Jean-Jacques Beineix, Leos Carax czy Luc Besson wnosili na ekrany świeżość, jednocześnie udowadniając, że kino gatunkowe może być w pełni autorskie. „Narwana miłość” wpisuje się w nieformalne założenia tego nurtu, lecz Andrzej Żuławski w swojej wizji idzie jeszcze dalej. To dzieło dzikie, nieokiełznane, nieustannie balansujące na krawędzi dramatu, zgrywy i psychodelicznej halucynacji. Czerpiąc inspirację z „Idioty” Dostojewskiego Żuławski po raz kolejny wraca do jednego z najważniejszych tematów swojej twórczości, przygląda się dynamice emocjonalnego trójkąta, tu rozpisanego między młodą Mary (Sophie Marceu) i jej kochanków – gangstera Micky’ego (Tchéky Karyo) oraz naiwnego marzyciela Leona (Francis Huster). Egzystencjalny dramat u Żuławskiego przybiera formę szalonego teledysku (świetna muzyka Stanisława Syrewicza), w którym wydarzyć się może wszystko. To połączenie romansu, kina sensacyjnego (z najlepszą sceną napadu na bank przynajmniej do czasu „Mrocznego rycerza” Christophera Nolana), błazeńskiej komedii i energii z kreskówek – nieprzypadkowo w pierwszej scenie bandyci pojawiają się w maskach postaci z filmów Disneya. Żuławski wpuszcza widzów na pole minowe, atakuje bodźcami i nie podsuwa łatwych rozwiązań. „Narwana miłość” to audiowizualne doświadczenie jedyne w swoim rodzaju.
Język: francuski z polskimi napisami
NARWANA MIŁOŚĆ, reż. Andrzej Żuławski, Francja 1985, 101'
Język: francuski z polskimi napisami
NARWANA MIŁOŚĆ, reż. Andrzej Żuławski, Francja 1985, 101'
Żuławski. Kino ekstazy: Opętanie
“Opętanie” Andrzeja Żuławskiego powstało po przerwanej przez komunistyczne władze realizacji “Na srebrnym globie”. Nagrodzony na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Cannes, drugi francuski film artysty, mimo światowego rozgłosu nigdy nie miał oficjalnej szerokiej dystrybucji w Polsce. Przypadek autora “Trzeciej części nocy” nie był odosobniony. Pomimo zagranicznych sukcesów polskich twórców (m.in. “Fuchy” Skolimowskiego, “Miłości w Niemczech” Andrzeja Wajdy, czy właśnie “Opętania” Żuławskiego) o ich dokonaniach rodzima publiczność mogła jedynie usłyszeć lub oglądać wyłącznie na pojedynczych pokazach, gdyż władze komunistyczne w ten sposób chciały niejako ukarać artystów nielojalnych wobec Polskiej Rzeczypospolitej Ludowej. W latach 80. możliwość obejrzenia “Opętania” stwarzały wyłącznie Dyskusyjne Kluby Filmowe (także w ramach przeglądów zagranicznej twórczości reżysera). Dla wielu “Opętanie” uchodzi za film kultowy.
“Opętanie ma dwa źródła – wspominał dla miesięcznika Film Andrzej Żuławski. – Pierwsze jest związane z moim życiem osobistym. Niemal wszystko, co trafiło na ekran, wydarzyło mi się naprawdę. Zmyśleniem jest tylko szpiegowska profesja bohatera i warstwa fantastyczna. Jednak szok człowieka, który po powrocie do domu widzi koniec tego, w co naprawdę wierzył, jest wzięty moich doświadczeń. Nawet część dialogów jest przeniesiona żywcem z tego, co zapamiętałem. Drugim źródłem inspiracji były “Sceny z życia małżeńskiego” Bergmana. To mądry, przenikliwy film. Jednak po wyjściu z kina czułem niedosyt. Zobaczyłem realia, ale zabrakło mi syntezy. Ja jestem inny, wierzę w bajki”.
Język: francuski z polskimi napisami
OPĘTANIE, reż. Andrzej Żuławski, Francja, RFN, 127'
“Opętanie ma dwa źródła – wspominał dla miesięcznika Film Andrzej Żuławski. – Pierwsze jest związane z moim życiem osobistym. Niemal wszystko, co trafiło na ekran, wydarzyło mi się naprawdę. Zmyśleniem jest tylko szpiegowska profesja bohatera i warstwa fantastyczna. Jednak szok człowieka, który po powrocie do domu widzi koniec tego, w co naprawdę wierzył, jest wzięty moich doświadczeń. Nawet część dialogów jest przeniesiona żywcem z tego, co zapamiętałem. Drugim źródłem inspiracji były “Sceny z życia małżeńskiego” Bergmana. To mądry, przenikliwy film. Jednak po wyjściu z kina czułem niedosyt. Zobaczyłem realia, ale zabrakło mi syntezy. Ja jestem inny, wierzę w bajki”.
Język: francuski z polskimi napisami
OPĘTANIE, reż. Andrzej Żuławski, Francja, RFN, 127'